 A 86 anni l'attrice statunitense Joan Collins è il volto della campagna natalizia della maison Valentino. Ma come lei Iris Apfel, Benedetta Barzini, Twiggy, e tante altre donne over 70 continuano a ispirare la moda.
La tendenza in fatto di moda è attualmente quella di lavorare molto sull'inclusione. Troviamo non a caso donne con fisici molto diversi su passerelle e riviste patinate, dalle taglie curvy a un'età non più giovanissima, e voglia di mostrare con orgoglio imperfezioni fisiche, capelli lasciati al loro colore naturale, limitazioni che diventano punti di forza e differenze che rendono uniche. Nonostante sia doveroso sottolineare che non siamo ancora pienamente pronti ad "accettare" qualcosa che va oltre il solito sterotipo, è allo stesso tempo importante evidenziale le iniziative che si muovono nella direzione dell'inclusione. Qui approfondiamo il tema dell'"Age Diversity" nel mondo del fashion, ovvero di come l'età delle modelle e delle testimonial di moda sia diventata più fluida, fino ad arrivare a volti anche ultra novantenni. Avevamo già dedicato un articolo alla mitica Iris Apfel, che all'età di 97 anni è ancora modella, creatrice di tendenze ed è divenuta anche una bambola Barbie di grande appeal per collezionisti e non. Ultima in ordine temporale, che sta facendo parlare di sè, è Joan Collins, volto e testimonial d'eccezione del marchio Valentino. Con un abito lungo in pizzo rosso, tiara in testa a collier di diamanti, stile che ricorda molto i look sofisticati della star di "Dynasty", Joan Collins è la protagonista della campagna natalizia. Diretto da Barbara Anastacio e ambientato in una lussuosa villa londinese, il cortometraggio è diviso in tre capitoli e segue la storia di un gruppo di amici riuniti in una serata di festa non molto entusiasmante. Sarà proprio Joan Collins a movimentare l'atmosfera con musica, balli e tanti regali firmati Valentino. L'attrice, che lo scorso maggio ha compiuto 86 anni, diviene quindi un'elegante maestra di feste e una "Mamma Natale" che riesce a portare magia e buonumore a giovani un pò ingrigiti nell'animo. Ricordiamo poi anche la sempre bellissima Benedetta Barzini, classe 1943, tra le prime top model italiane a spopolare in tutto il mondo. Con sguardo sereno rilascia dichiarazioni "Preferisco la vecchiaia", mostrando orgogliosa le sue rughe anche nel mondo super patinato di campagne e riviste di moda. Basta guardarla negli scatti di Gucci, fiera ed elegante con i suoi capelli grigi e una bellezza che mostra il trascorrere del tempo come Natura vuole. C'è poi anche una 74enne incantevole che solo un paio di mesi fa aveva prestato il volto per l'Oréal Paris, alla Paris Fashion Week, l'attrice inglese Helen Mirren. Luminosa e spumeggiante con la sua chioma bianca al vento e un viso percorso da rughe che nulla tolgono al suo fascino. Sulle ultime passerelle abbiamo visto sfilare anche tanti altri illustri esempi di donne non più giovanissime, come la neo settantenne Twiggy, avvolta dal suo fascino etereo e immortale. Ma non sono mancati anche volti sconosciuti a calcare i palcoscenici di moda, persone "normali" con "qualche anno in più" scelti ad esempio da Margherita Missoni per le sue sfilate. Impossibile non chiudere questa breve rassegna con un'attrice italianissima e bellissima: Sofia Loren, ormai signora di 85 anni, che continua a condurre una vita densa di impegni professionali come testimonial. Ultimamente l'abbiamo vista nelle campagne di Barilla e di MCS Crociere, ma solo tre anni fa è stata la musa ispiratrice degli spot e delle sfilate di Dolce e Gabbana.
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 Un paio di Dr Martens neri Le scarpe della stagione, declinabili per ogni occasione, sono senza dubbio gli anfibi. Ecco come torna di moda una calzatura iconica degli anni Novanta e 5 modi per indossarli.
Ve li ricordate i magnifici Dr Martens che hanno letteralmente spopolato soprattutto nella seconda metà degni anni Novanta? Una scarpa che ha segnato una generazione e che poi ha continuato a vivere nonostante un fisiologico calo nei gusti che inevitabilmente cambiano prendendo nuove direzioni. Ma in generale, quel periodo ha visto un grandissimo utilizzo di anfibi, di qualsiasi marca fossero, ma meglio se neri, classici anfibi o Combat Boot, da portare dal mattino alla sera. Bene, nonostante non siano mai scomparsi totalmente dai look femminili, questa stagione autunnale-invernale tornano in maniera prepotente. Resistenti, versatili, alla moda, anche glamour se si vuole...gli anfibi hanno molte più potenzialità di quanto si possa immaginare, abbinandosi alla perfezione anche mise più bon ton e romantiche. Da indossare con i collant (e anche in questo caso ce ne sono tantissime varianti) o senza, per le più temerarie. Hai un paio di anfibi? Ecco quanti modi ci sono per indossarli!
E tu, che abbinamento preferisci per indossare un paio di anfibi?  Illustrazioni di jeans dal libro "Ma come ti vesti?" di Carla Gozzi ed Enzo Miccio - Rizzoli Sicuramente una certezza della stagione fredda sono i jeans. Strappati, a zampa, a vita alta, larghi o dritti: ce n'è per ogni gusto e fisico. Ecco la carrellata di quelli più alla moda in questa stagione.
Il jeans è un capo versatile, giovanile, comodo e che si combina in un'inifinità di modi diversi. L'unica accortezza è la scelta del tipo più consono al proprio fisico, potendo contare su una grande gamma di modelli. A seconda del modello, appunto, e del colore il jeans si presta a occasioni diverse, cambiando completamente il look generale. Il colore del tessuto denim spazia dal blu scurissimo (blue black) fino ad arrivare a nuance di azzurro acquerellato (denim bleached). Ma usatissimi sono anche i jeans neri e quelli bianchi. Quali sono i modelli più di moda per la stagione autunno-inverno 2019-2020? Scopriamo insieme di cosa si tratta e come si abbinano al meglio. Jeans a vita alta Un modello che sta letteralmente spopolando. Da portare con o senza cinturina a seconda di come calzano. Ricordano molto i mitici anni Settanta, le Charlie's Angels solo per citare un esempio: femminili, avvolgenti e sofisticati. Come indossarli? La vita delineata è il loro punto forte, dunque assolutamente da non nascondere ma da esaltare. Quindi via libera a top, maglie, lupetti aderenti o camicie morbide infilate. Al di sopra, come capospalla, perchè non provare un cardigan oversize oppure un cappotto di lana con la cintura in vita. Per quanto riguarda le scarpe, perfette le décolleté o i sandali alti, ma anche le sneakers evergreen. Un loro grande pregio è che allungano visivamente di diversi centimetri la statura e le gambe. Modello skinny, bootcut, a zampa o carrot cut sono tutti belli. Jeans a zampa Sempre rimanendo in tema Seventies, ecco il grande ritorno dei jeans a zampa. Chi ne conserva un paio in armadio potrà ridargli finalmente vita, senza avere paura di creare un effetto démodé. In caso contrario non sarà difficile trovarne un bel esemplare in giro per i negozi. Questo modello si porta sia con la scarpa alta sia con quella bassa, ma attenzione che potrebbe rendere un pò tozza l'immagine generale. Come indossare i jeans svasati? Con i maxi cappotti in pelliccia sintetica, un pullover e magari una cintura sottile per sottolineare il punto vita e allungare la figura. Jeans strappati Sicuramente ognuno di noi avrà visto portare con disinvoltura un paio di jeans strappati. Alle ginocchia, ad esempio. Tagli netti sulla lunghezza del pantalone, oppure con un orlo molto sfrangiato. E spopola soprattutto tra i personaggi famosi, che hanno diffuso la moda a tutti i livelli. Per chi ama questo capo, però, sarebbe il caso di abbinarlo con altri indumenti e con accessori ragionati e magari un pò più lineari e basici. Con un blazer oversize accompagnato da una cintura impreziosita e un paio di stivaletti con il tacco, ad esempio, sarebbe un abbinamento perfetto. Diciamo che il rischio è creare una figura trasandata. Quindi è importante pensare bene all'effetto finale che si vuole creare. Jeans ampi Larghi, molto larghi, meglio se a vita alta, a ricordare la moda anni Novanta. Ecco i jeans che stanno spopolando in autunno. Il look potrebbe ricordare molto quello delle ragazze di Friends, con pull molto ampi, oppure con giacca in ecopelle e mocassini, oppure ballerine e sneakers. Diciamo che spesso sono modelli corti alla caviglia, che si vede rimanendo per lo più scoperta. Si tratta di jeans che non evidenziano le forme femminili, per cui si potrebbe puntare su accessori un pò più evidenti o su un trucco o un'acconciatura più accattivanti. Jeans dritti alla caviglia Questo è l'anno delle taglie maxi nell'abbigliamento femminile. Cappotti, piumini, blazer, maglioni, t-shirt: insomma, tutto ciò che veste la parte superiore è preferibile che sia over. A delineare la figura solo le cinture che tornano prepotenti al punto vita. Quindi in questi casi ampio spazio ai jeans dritti alla caviglia, classicissimi e sempre presenti nell'armadio. Jeans neri Torna di moda il jeans nero, da sempre in seconda posizione rispetto al classico blue jeans. La cosa interessante è che questo colore è perfetto per situazioni anche più formali, quando si voglia evitare un tailleur troppo classico. I jeans neri sono perfetti alleati durante la stagione autunnale e invernale. Di mattina con maglioncino colorato, scarpa bassa e piumino, la sera con camicia, giacca, scarpa alta e cappotto. Insomma, abbinabile sempre e comunque.  Angelina Jolie nei panni di Malefica E' il brand inglese Ralph & Russo il creatore dell'abito simbolo indossato sul grande schermo da Angelina Jolie per impersonare la malvagia Disney più amata e ammirata. Ecco come nasce lo stile Malefica. A cinque anni dal successo di "Maleficent", strepitosa realizzazione Disney che ha consacrato Angelina Jolie nelle vesti perfette di strega Disney affascinante e glamour, da oggi 17 ottobre torna al cinema il sequel del film ispirato al cartone del 1959 "La bella addormentata nel bosco". In "Maleficent 2: Signora del male", la storia si concentra sul rapporto complesso e profondo tra la dolce Aurora e la perfida Malefica, nel momento in cui la fanciulla viene chiesta in sposa dal principe Filippo. Sempre protagonista, nel bene e nel male, la creatura alata piena di fascino straordinario e di elementi estetici davvero interessanti. Non a caso il look di Malefica è frutto di una lunga lavorazione e risultato di una fase ideativa e creativa complessa. A colpire già a primo sguardo, il makeover pensato dal beauty artist Paul Gooch e gli abiti realizzati da Ellen Mirojnick, per un'immagine totale davvero sorprendente e credibile. La costumista ha voluto interpretare, attraverso gli abiti di scena, tutto il misticismo di un’epoca a cavallo tra Medioevo e Rinascimento nel regno fiabesco di Ulstead. Dietro l'immagine austera di Malefica c'è però anche la creatività di Ralph & Russo. Il brand di moda inglese ha lavorato insieme alla Disney per realizzare un costume capace di raccontare l'oscurità intrinseca del personaggio, anche grazie alle lavorazioni artigianali caratteristiche dell'Haute Couture. Si tratta di un abito molto rappresentativo del film, quello della svolta, dell’evoluzione interiore del personaggio di Malefica. Il risultato è frutto di una serie di tecniche, tra cui il taglio laser e la pittura a mano. Nel video, qui sotto, viene raccontata tutta la maestria degli artigiani che hanno realizzato questo vestito. Il costume nasce da una combinazione di tecniche che dal rendering digitale passano al taglio al laser, fino all’utilizzo di una particolarissima pittura a mano. L’abito è stato infatti assemblato seguendo una precisa serie di fasi creative, per ottenere un aspetto dark e sensuale, dall’effetto nude. Di seguito un video dal canale Youtube ufficiale di Ralph & Russo che mostra alcune fasi creative. Leggi anche: Maleficent 2 e tutti gli altri film in uscita giovedì 17 ottobre 2019  Dettaglio da una vetrina di Zara Parole d'ordine: tagli ampi, giacche da "rocker", collant che catturano lo sguardo, borse formato mini, moda ecosostenibile. Ecco alcuni dei trend più amati per questo autunno 2019.
All'inizio di una nuova stagione, esperti di moda, riviste patinate e portali web di settore inevitabilmente fanno la loro analisi relativa alle nuove tendenze che caratterizzano il periodo. "Must have", "capi immancabili nel guardaroba", "mai-più-senza" e via dicendo spopolano tra i titoli di moda. Abbiamo fatto una sintesi delle tendenze più diffuse e maggiormente caratterizzanti la stagione autunnale. Voi siete d'accordo? Se sì, in quale capo (o filosofia di abbigliamento) vi rispecchiate di più? Blazer oversize Preferibilmente a scacchi, è il capospalla più amato e versatile. Stop a tagli attillati che definiscono la silhouette e via libera alle giacche con misure molto abbondanti, perfette da abbinare ai pantaloni. Comodo da utilizzare anche in modalità "trench", stretto in vita con una cintura, abbinato a mini gonna o shorts e t-shirt. Un capo poliedrico con abbottonatura monopetto o rigoroso doppiopetto e proposto in numerose varianti di colori, motivi e ricami. Cappotti, piumini e cappe (oversize) Abbiamo capito che la misura dei capispalla, ma non solo, è il formato maxi. L'offerta del mercato della moda è infatti piena di cappotti, cappe ma anche piumini ampi, che non vanno più a sagomare la figura. Tutto XL, morbidissimi e dal fitting oversize: così li hanno mostrati gli stilisti sulle passerelle. Giacca in ecopelle "rocker" Rock chic: la giacca biker in pelle corta è l'emblema rock di oggi e di ieri da abbinare a una t-shirt e un pantalone elegante da tailleur. La giacca di pelle (ormai divenuta ecopelle) è tra quelle più fashion della stagione, utilizzabile dalla mattina alla sera a seconda di come la si combina. Si trova nella proposta classica, semplice ed essenziale, ma anche ricoperta di borchie o arricchita di frange. Abitini leggeri stampe e colori Le vetrine sono piene di abiti morbidi dallo stile bon ton e nelle stampe più disparate, senza eccessi, ispirati agli outfit della duchessa Kate Middleton. Ideali da abbinare alle décolleté, per la sera e per occasioni formali, ma soprattutto a stivaletti bassi, fino a metà polpaccio. Accessori prettamente monocolore. Cintura a vita alta Per contrastare con i tagli oversize, la tendenza è quella di giocare sugli effetti largo-stretto. Si definisce in questo modo solo il punto vita lasciando le misure sovrabbondanti di cardigan o abiti caratterizzati anche da maniche a palloncino. Mini bag Le borse formato maxi lasciano il posto alle mini-bag. Ovviamente meno comode e poco pratiche, la concezione della borsa è più quella di un accessorio che impreziosisce il look totale, un gioiellino insomma, che quella di svolgere una funzione contenitiva. Il vantaggio però c'è: portate a tracolla non appesantiscono, né l'outifit né la silhouette. Collant (meglio se con loghi o lettere) Grandi protagonisti dell'autunno, i collant. Se ne vedono in tantissime proposte: con grafiche macro, con pizzi, fiori, pois, animalier. Ma anche in versione "logomania", con loghi e lettere oppure come tela bianca per frasi d’amore. Immancabile l’ispirazione al tema della luce con modelli metallizzati oppure vere e proprie calze gioiello con sfarzosi micro cristalli. Nuance arcobaleno La stagione fredda si tinge di colori forti e forti contrasti. Mix and match dal sapore di azzardo, nuance vivacissime e tinte arcobaleno nella sua versione più brillante di sempre. Dai piumini, ai cardigan over, a borse e accessori. Animalier Sempre attuale un pezzo "jungle print" nel guardaroba. Dettagli leopardati saranno sempre molto presenti, ma le stampe animalier saranno anche altre, e piuttosto inedite. Spazio a tigrato e zebrato, da saper gestire al meglio per evitare esagerazioni. Moda ecosostenibile (anche nel settore "bridal") La sostenibilità diviene la nuova frontiera dell'industria dell'abbigliamento. Sempre più brand abbandonano pelle, pellicce e filati animali per i tessuti sintetici. L'ondata della filosofia "Green" ripensa la moda in chiave ecologica. La sostenibilità contagia anche il "wedding": si sperimentano nuovi matriali all'interno degli atelier di mezzo mondo, sia piccoli artigianali sia grandi aziende internazionali. L'abito da sposa eco-friendly, infatti, è un nuovo protagonista di un settore, quello del “bridal fashion”, che nel 2020 raggiungerà un valore globale di 80 miliardi di dollari, secondo stime di Global Industry Analysts.  Ogni anno si svolge la Milano Fashion Week, riferimento nel mondo della moda e del design. Ma perché proprio Milano è ritenuta la città della moda italiana per eccellenza?
In questi giorni l'informazione di settore non fa altro che parlare della Settimana della Moda milanese, riferimento per il mondo del fashion mondiale, occasione per gli stilisti emergenti, vetrina per mostrare una Milano al passo con i tempi, che osa, che anticipa le tendenze. Ma Milano è stata sempre la città della moda? No, e il primato spettava a un'altra realtà. Il percorso fatto dal capoluogo lombardo per arrivare sul primo gradino della moda italiana è stato lungo, tra coincidenze fortunate e una buona dose di capacità organizzativa e creativa, e lungimiranza. In principio c'è stato l'Ente Nazionale della Moda Italiana , fondato nel 1935 a Torino da un gruppo di imprenditori della città sabauda al fine di dare maggiore risalto alla qualità delle creazioni di moda italiana e una spinta all'economia del settore creativo e tessile. Anche grazie a questo impulso, e a una sempre maggiore coscienza delle potenzialità, tra il secondo dopoguerra e gli anni Sessanta si svolgono, soprattutto nelle città di Roma, Milano e Venezia, importanti eventi di moda. E' quello il periodo d'oro della manifattura toscana, con Firenze culla di sartorie di elevato valore e fucina di prestigiose produzioni. Non a caso proprio lì nasce, nel 1951, First Italian High Fashion Show , ovvero il primo evento che intendeva diffondere la cultura sartoriale "made in Italy", lo stile e la creatività tipica della tradizione italiana nel mercato nord americano. Un'occasione di incontro con i buyers statunitensi e di promozione dei prodotti più innovativi dell’alta moda italiana che faceva innamorare anche grazie alle produzioni cinematografiche girate a Cinecittà. Nel tempo, comunque, le città della moda si erano comunque sempre diversificate i "compiti": Roma si era focalizzata principalmente sulle creazioni dell'alta moda, a Firenze continuava a primeggiare la moda sartoriale realizzata in esclusive boutique artigiane, Milano e Torino, grazie alla forte vocazione industriale del territorio, iniziavano a produrre abiti in serie sfruttando misure standard. Quella che poi divenne la moda prêt-à-porter. Nel 1958 nasce la Settimana della Moda di Milano, mentre a fine anni Sessanta MilanoVendeModa. Il capoluogo lombardo, infatti, iniziava a investire molto nel settore, spinto anche dal lavoro delle principali case editrici italiane che lì avevano la sede, e che dedicavano al tema della moda ampio spazio. Tante le riviste di settore che prendevano piede negli anni Sessanta e Settanta: Grazia, Amica, Vogue, Cosmopolitan e Annabella. Durante gli anni Ottanta tutti i maggiori stilisti italiani iniziano a farsi conoscere a livello internazionale, arrivando a vestire star del jetset hollywoodiano: Valentino, Ferrè, Armani, Versace diventano dei veri e propri giganti dell’industria del fashion mondiale. Il loro fascino, l'innovazione, e lo spirito d'iniziativa della città hanno dato sempre di più un impulso irrefrenabile agli eventi della moda milanese, decretandone così a livello internazionale il primato di città glamour e modaiola.  Peter Lindbergh con l'attrice Penelope Cruz Uno dei più grandi esponenti della fotografia di moda al mondo: chi era Peter Lindbergh e cosa ha creato il suo estro artistico senza tempo. Le sue creazioni fotografiche sono esposte nei maggiori musei del mondo e la sua visione "umana" più che patinata delle pellicole artistiche uscite dalla sua macchina sono un esempio emblematico di come anche nel mondo del fashion si possa rimanere con i piedi ben piantati a terra, esaltando la bellezza naturale e intrinseca di una persona. Sì, perché per Lindbergh la fotografia altro non è che la manifestazione su carta dell'umanità più profonda e sincera che si cela dietro un volto. Sui suoi set fotografici giungevano gli abiti più sfarzosi, le più affascinanti creazioni di moda del momento, beauty set da make up indimenticabili e tutto l'occorrente per lasciare senza fiato. Ma il fotografo polacco preferiva una t-shirt bianca, un paio di jeans, una camicia ampia, capelli e viso al naturale. E le fotografie risultanti, squisitamente in bianco e nero, erano l'essenza della bellezza e dell'eleganza. Quel bianco e nero riconoscibile, caratterizzato da neri profondissimi come il petrolio e la scala dei grigi con la grana inconfondibile della pellicola. Peter Lindbergh ha sempre continuato a usare la macchina analogica, consumando rullini su rullini. Non amava il digitale e le sue alterazioni. Il mondo della moda gli conferisce il grande merito di essere riuscito a liberare le donne da quello che lui stesso definiva "il terrore della perfezione". Un problema, soprattutto femminile, di non essere "abbastanza" di qualcosa: alte, magre, giovani, attraenti... Le donne che ritraeva non erano statici e amorfi "manichini" su cui dipingere trucco e posare abiti, ma donne con una propria autenticità, con una personalità singolare, dinamiche e vive. A un occhio superficiale, i suoi scatti sembravano più foto di backstage che da copertina. Ma il merito e le gratificazioni di dipingere il mondo patinato in maniera più genuina non sono mancate, e anzi lo hanno reso firma fotografica immortale e riferimento indiscusso. Chi era Peter Lindbergh? Note biografiche Peter Brodbeck (questo il suo vero nome) nasce a Leszno, in Polonia, ma è in Germania che si avvicina alla fotografia e lì inizia la sua formazione. E' assistente di Hans Lux finché non si trasferisce a Parigi, dove si avvicina al mondo della moda. A lanciarlo, Franca Sozzani, che lo considerava un maestro dotato di un talento esclusivo quando era ancora sconosciuto. Produce servizi per Vogue, Vanity Fair e Harper’s Bazaar e il fashion si interessa sempre di più ai suoi lavori. La sua mano emerge prorompente negli anni Ottanta, quando la direzione dello scatto di moda era quella di immagini piene, ricche, colorate. In contrasto con le sue personali ispirazioni al cinema, ai paesaggi industriali tedeschi, al realismo di Dorothea Lange e Walker Evans. Per questo lavora anche per testate come The New Yorker, Rolling Stone e il Wall Street Journal Magazine. Lavora con le modelle più richieste, da Christy Turlington, Naomi Campbell a Linda Evangelista, da Eva Herzigova, Cindy Crawford, Kate Moss a Stephanie Seymour, e le attrici più note, da Isabella Rossellini, Monica Bellucci, Uma Thurman a Penelope Cruz, Kate Winslet, Angelina Jolie e tantissime altre. Il suo ultimo lavoro, i ritratti per la copertina di Vogue Uk, realizzato con il contributo speciale di Megan Markle.  Da bottega di cappelli in via Roma a Firenze a piattaforma di successo per la vendita di prodotti del mercato del lusso mondiale: ecco la storia di Luisa Via Roma, che quest'anno festeggia 90 anni!
Mega eventi a Firenze per i primi 90 anni di Luisa Via Roma: in questi giorni il capoluogo toscano ha radunato le più acclamate top model, i maggiori brand del mondo del lusso e innumerevoli volti noti del fashion e dello show business planetario per celebrare la ricorrenza del marchio fiorentino. Nato con boutique di cappelli dai semplici propositi, oggi Luisa Via Roma è sinonimo di piattaforma e-commerce dei più prestigiosi marchi esistenti, riferimento per l'effimero quanto accecante sistema del lusso mondiale. La storia del marchio Luisa Via Roma Tutto ha inizio alla fine degli anni Venti, quando la francese Luisa Jaquin apre una bottega di cappelli in paglia a Parigi, insieme a suo marito fiorentino Lido Panconesi. Persi tutti gli averi con il gioco, i due fuggono in Brasile in cerca di fortuna e, dopo averla maturata, decidono di trasferirsi proprio a Firenze. Una città da sempre aperta alle sperimentazioni stilistiche e brulicante di amore per la moda. E' proprio qui, in via Roma precisamente, che Luisa apre il suo negozio di cappelli. Il marito la sprona ad aprirsi al mondo della moda a tutto tondo, e così gradualmente il business della donna si sposta anche verso il confezionamento di abiti da signora. Nonostante le buone vendite e i risultati raggiunti, la coppia vende la fabbrica di abiti nel 1968, ma l'ingresso del loro nipote, Andrea, porta una ventata di novità. A Parigi, scopre uno stilista giapponese fortemente all'avanguardia, Kenzo. Il designer presenta la sua prima collezione (autunno/inverno 1968/69) nella boutique della casa fiorentina. A quei tempi molti dei grandi brand di oggi stavano muovendo i loro primi passi nel mondo della moda, quando entrano a far parte della selezione di Luisa Via Roma. Negli anni Ottanta, il marchio diviene punto di riferimento per gli amanti del mondo del lusso, tra le boutique del settore più apprezzate al mondo. Panconesi e i suoi buyers assistono con viva passione alle sfilate di Parigi, New York, Londra e Milano per selezionare i capi più chic e all’avanguardia dei migliori designer internazionali. A inizio 2000 viene lanciata invece la piattaforma e-commerce luisaviaroma.com, per incontrare le crescenti richieste dei clienti esigenti ma lontani fisicamente. Da allora, la sua visione aziendale è quella visionaria e avanguardista che la ispirò fin dalla scoperta di un maestro della moda come Kenzo. Il brand è infatti costantemente alla ricerca di stilisti emergenti e designer creativi che lascino il segno. Importanti ed efficaci le collaborazioni commerciali condotte nel corso degli anni Duemila, nella direzione del "marketing empirico", ovvero offrire esperienze oltre che prodotti. In particolare, a partire dal 2008-2010, il brand punta alla eco-compatibilità, a partire dagli allestimenti delle vetrine alla strutturazione degli store, abbracciando sempre l'idea di un coinvolgimento del cliente, una interattività che vada oltre la semplice fruizione passiva. Lo store online ha ospitato e ospita capi di alta moda per uomo, donna e bambino (ma ci sono anche le voci beauty e casa) disegnati da nomi altisonanti, da Alexander McQueen, Balmain, Chloé, a Dior, Dsquared2, Dolce & Gabbana, da Givenchy, Lanvin, a Roberto Cavalli, Saint-Laurent, ma anche creazioni di designer creativi e all’avanguardia su cui puntare per il futuro.  Alcune delle capsule collections di stilisti di alta moda per H&M H&M continua a stupire: da Karl Lagerfeld a Giambattista Valli, ecco la storia delle partnership con stilisti e designers di alta moda che portano le grandi firme del fashion nel mondo comune.
Tutto ebbe inizio nel 2004, quando Karl Lagerfeld ideò per H&M una capsule collection che andò a ruba e cambiò le regole rigide di low cost da un lato e alta moda dall'altro, mischiandole e permettendo anche a persone comuni di indossare capi di firme prestigiose a prezzi contenuti. Le vendite andarono alle stelle grazie a t-shirt da 17 euro con la sagoma del volto di Lagerfeld, camicie dal colletto rigido, jeans skinny, choker di raso nero e giacche di paillettes. Tutto esaurito in poche ore dal lancio mondiale. Stesso destino per i capi e gli accessori delle successive collaborazioni (con una eccezione nel 2008). Il 2005 è stata la volta dell'inglese Stella McCartney, che firmò una collezione di circa 40 capi per la stagione autunnale. Si trattava di abiti e borse dallo stile molto minimalista, tinte unite e design discreto ed elegante. Nel 2006 fu la coppia di designers Viktor & Rolf a creare la propria linea per il marchio svedese. Abiti da donna e da uomo eleganti, quasi da cerimonia, lanciati per la stagione autunnale da uno spot che vedeva protagonista una sposa e ben due sposi ("I love you" - "I love you T(w)oo"). Nel 2007 invece il primo italiano, Roberto Cavalli, che firma una linea molto aggressiva e certamente riconoscibile del suo stile distintivo e delle fantasie animalier che lo hanno reso noto: 20 da uomo e 25 da donna, completi di accessori e lingerie. Alternativa e asimmetrica, con ruches e arricciature, nel 2008 esce la linea per H&M di Comme des Garçons, casa di moda giapponese. Interessanti gli abbinamenti e sicuramente evidente lo stile orientale delle proposte. Anche a causa della crisi finanziaria del 2008, la collaborazione con Jimmy Choo del 2009 fece registrare un rallentamento delle vendite dei famosi tacchi a spillo dell’allora designer della griffe di calzature Tamara Mellon e dei suoi stivaletti a rete. Ne uscì un pò meglio, ma senza fare boom, Matthew Williamson, con i suoi abiti foulard dal taglio in sbieco. Colore e tanta estrosità per la capsule collection estiva di Lanvin del 2010. La collezione, molto apprezzata, andava dagli abiti con ruches di ispirazione couture, alle giacche in eco-pelliccia e alle t-shirt grafiche, fino a scarpe con tacco a spillo e coloratissimi gioielli. Con i suoi mini-dress color oro lucido, le bandane in latex nere, i pantaloni a stampa tropicale e i trench di pelle, la collezione di Versace nel 2011 fu un successo di proporzioni enormi, tanto che il sito H&M si bloccò nel giro di pochi minuti. Al contrario, alcune collezioni si sono dimostrate troppo di nicchia finendo con l’attrarre solo una più ristretta fetta di mercato: pensiamo alle stampe grafiche o ai gioielli importanti creati da Marni nel 2012, o ai jeans strappati e i body trompe l’oeil firmati Maison Martin Margiela lo stesso anno. Con le sue felpe grigie semplici, foulard in stile boho, gli stivali di camoscio con frange, la linea della designer francese Isabel Marant del 2013 fu un mix di stile chic ma rilassato, tra etno e metropolitano, non solo per donna, ma per la prima volta anche per uomo e bambino. Con Alexander Wang nel 2014 tornò il grande successo, grazie a felpe con cappuccio, camicie da baseball e guantoni da boxe che videro in Missy Elliott il volto promotore della collezione. Mentre l'anno seguente, Kylie Jenner e Rihanna fecero da fan e supporter della collezione di Olivier Rousteing composta da mini abiti elettrizzanti e ultra preziosi pensati per le social influencer. Mentre la top model Gigi Hadid scese in passerella per la collezione 2015. Carol Lim e Humberto Leon di Kenzo nel 2016 non furono da meno con la loro offerta composta da leggings zebrati, maglioncini a stampa leone e gonne leopardate, il tutto accompagnato da una compagna pubblicitaria con Iman e Chloë Sevigny. E' stata poi la volta di Erdem nel 2017, con una collezione di camicette bianche vittoriane, abiti di seta e stampe di fiori selvatici. Fantasie ed estro, con Jeremy Scott che nel 2018 porta la gamma dei colori di Moschino, e tutta la sua stravaganza, negli store del colosso di abbigliamento low cost svedese. A impersonare questo spirito, Gigi Hadid. Quello di Giambattista Valli, per l'anno in corso, è stato un debutto davvero travolgente. Pre collezione a ruba quella dello stilista italiano, famoso per il proprio brand con sede a Parigi, grazie anche a una marcata campagna di comunicazione con testimonial di spicco come Kendall Jenner, Chiara Ferragni, Bianca Brandolini, Chris Lee e Ross Lynch, che hanno indossato i primi look della collezione sul tappeto rosso del gala dell'amfAR a Cannes. Si trattava degli outfit della pre-collezione, mentre il lancio della collezione completa è previsto per il 7 novembre 2019. Packaging Première, a milano la terza edizione della fiera dedicata al packaging per il lusso30/5/2019  L'ingresso a Packaging Première a Fieramilanocity Si è appena conclusa a Milano la terza edizione di Packaging Première, importante punto di riferimento per i professionisti del packaging di lusso. Cosa abbiamo visto durante la nostra visita. Milano è universalmente riconosciuta come la città della moda e del design e un appuntamento come Packaging Première non poteva certo mancare. Si tratta di una fiera dedicata ai professionisti del packaging di alta gamma (non è dunque consentito l'ingresso ai privati) che quest'anno, dopo la prima edizione al The Mall, è stata ospitata per la seconda volta all'interno degli spazi di Fieramilanocity dal 28 al 30 maggio. Negli ultimi anni l'attenzione nei confronti della shopping experience, a tutti i livelli, è diventata sempre più cruciale e, dati alla mano, l'impatto di un packaging ricercato, curato e dal forte impatto visivo è risultato veramente rilevante negli indici di gradimento del pubblico, motivo per il quale il mondo del lusso non può far altro che mettersi in ascolto e rispondere, anzi, il più possibile anticipare e sorprendere. Packaging Première è una fiera settoriale, contenuta nelle dimensioni, ma ricca in termini di offerta. Gli spunti sono davvero moltissimi; ovviamente gli aspetti che vengono maggiormente fuori sono la ricercatezza spinta e l'alta qualità dei supporti e dei materiali utilizzati per le varie realizzazioni. La nuova frontiera comunque, anche nel packaging, è composta da due parole d'ordine: personalizzazione estrema e sostenibilità. Tutto in nome di un valore estetico che rimane, tanto più nel lusso, irrinunciabile, ça va sans dire. In tema sostenibilità, abbiamo notato Anydesign, azienda specializzata in shopping bag prodotte con materiali etici e certificati tra i quali per esempio la fibra di cocco (v. foto). Il numero degli espositori è stato ulteriormente in crescita rispetto alle prime due edizioni: l'anno scorso 200 aziende da 12 diversi paesi e 4.800 visitatori; quest'anno le aziende partecipanti sono arrivate a quota 242 e anche la rosa dei paesi stranieri si è arricchita. Packaging Première è una interessantissima occasione di incontro tra professionisti del settore, tre giorni nei quali è possibile condividere punti di vista, scambiare opinioni e idee, fare business ovviamente e, non ultimo, elaborare nuovi spunti creativi e nuovi concept scoprendo le nuove tendenze e le nuove frontiere di un mercato che è sempre in movimento e in continua trasformazione e che pretende sempre di più. Interessanti anche i cicli di conferenze organizzate nel corso delle tre giornate. Molto carino il corner riservato al progetto del Politecnico di Milano che ha coinvolto gli studenti del Dipartimento di Design, main partner insieme a Esxence – The Scent of Excellence. Di grande impatto l'esposizione d'arte e design, che quest'anno racconta il tema della Metamorfosi, ovvero della trasformazione che possono subire materiali quali il legno, la plastica, il vetro per rivivere in forme nuove, che accoglie i visitatori all'ingresso e che li cattura nuovamente all'uscita.  Logo della Lav (Lega italiana Antivivisezione) Da Stella McCartney, pioniera dell' "animal free" alla recente notizia di Prada che abbandona le pellicce dal 2020: ecco come la moda si converte alla politica animalista.
La tematica è di grande attualità, in quanto è delle ultime ore la notizia del colosso italiano della moda, Prada, che adotta la politica del "fur-free", ovvero niente più pellicce nelle sue creazioni di moda a partire dal 2020. L'attenzione globale in questa fase storica è infatti molto orientata alle scelte ecosostenibili e ambientaliste, influenzando inevitabilmente i diversi comparti dell'economia, moda compresa. Tanti marchi del fashion, anche veri e propri colossi, si sono con il tempo "convertiti" a scelte più rispettose del mondo animale e della natura in generale, ma ce ne sono alcuni che hanno fatto di questi valori dei caratteri distintivi, a partire da tempi non sospetti. Prima su tutti la stilista Stella McCartney, ambientalista e vegana convinta, che non ha mai fatto utilizzo di materiali di origine animale e si è sempre battuta per queste cause (tra cui le campagne a fianco della Peta "People for the Ethical Treatment of Animals). Ma a nascere animal free ci sono marchi che già nel nome esprimono bene il concetto, su tutti Save the duck. Negli ultimi anni, comunque, il passo più lungo fatto verso uno scenario "animal free" è quello di seguire la politica del "fur free", ovvero niente più pellicce. Lo hanno fatto, negli ultimi anni, Armani (dal 2016), Gucci (dal 2017), ma anche Jean Paul Gaultier, John Galliano, Versace, Hugo Boss, Burberry, Michael Kors, Furla, Diane von Furstenberg, Ralph Lauren, Calvin Klein, e altri operatori del settore moda, come il leader mondiale dell’e-commerce d’abbigliamento Ynap (Yoox Net-A-Porter-Group) e, ultimamente, anche la Fashion Week di Londra. Alla lista si è recentemente aggiunto Prada, che dal 2018 aveva comunque già ridotto di molto l’utilizzo di pellicce per le collezioni. Chi è particolarmente interessato all'argomento, può trovare sul sito della Lav (Lega italiana Antivivisezione), nella sezione Animal Free, l’elenco dettagliato dei brand che hanno aderito agli appelli delle associazioni ambientaliste internazionali. Le aziende sono classificate anche tramite uno speciale tipo di valutazione, in base al tipo di impegno sostenibile: rinuncia all’utilizzo di pelliccia, piume, seta e pelle, lana (il rating va da V, VV, VVV fino a VVV+).  Modelli che hanno fatto la storia della calzatura in esposizione al Museo Salvatore Ferragamo, Palazzo Spini Feroni di Firenze Sandali ed espadrillas sì, ma con la zeppa per questa estate 2019! Ecco brevi cenni storici relativi a un dettaglio moda diventato iconico.
Scarpe scarpe scarpe!!! Per alcune donne sono una vera ossessione. In effetti si tratta di un accessorio cult che, nel corso della storia, è stato declinato in una così ampia varietà di modi che si potrebbero riempire innumerevoli scarpiere (e pagine di blog). Se ben scelto in base allo stile e all'occasione d'uso, un paio di scarpe può davvero trasformare anche il più semplice e lineare dei look o, al contrario, smorzare una mise particolarmente eccentrica. Tra le tendenze moda di questa estate 2019 spopolano i sandali e le espadrillas con la zeppa, ma probabilmente ne avrete già almeno un paio perché, come succede spesso con la moda, le tendenze sono cicliche e, quasi sempre, ritornano. E' quello che nel corso della storia è successo alle calzature con la zeppa, ovvero quelle calzature caratterizzate da un tipo di suola che solleva tutta la scarpa e ne sostituisce anche il tacco. Comodità quindi, ma con il giusto slancio! Cenni storici delle calzature con la zeppa Dagli Egizi ai Romani Le origini di questo tipo di calzatura risalirebbero all’antico Egitto quando non erano le donne ma gli uomini a servirsene. Testimonianze giunte fino a noi provano che fossero in particolare i macellai a indossare le zeppe con lo scopo di evitare che, lavorando, il piede venisse a contatto con il sangue. Anche nell'antichità classica si trovano esempi di calzari dotati di zeppa. Il coturno era proprio una calzatura consistente in una sorta di sandalo di legno dalla suola spessa, allacciato al piede o al polpaccio, che veniva utilizzato dagli attori, in particolar modo tragici, per fare in modo che risultassero maggiormente visibili dal pubblico. Considerati non di bell'aspetto, questi sandali venivano però nascosti dalle lunghe vesti. Non erano quindi considerati come ornamenti ma come strumenti utilizzati al puro scopo di accrescere la statura di chi li indossava. Nella Roma Imperiale diventeranno invece un vezzo femminile; le matrone romane ne indossavano di molto alti, arrivando a superare anche i 15 cm di altezza. Rinascimento Le zeppe col passare del tempo sono andate poi estinguendosi per ripresentarsi sotto forma di pianelle con l'avvento del Rinascimento. Molto popolari a Venezia e in Spagna, erano inizialmente utilizzate sia dagli uomini (tutte chiuse e più basse) sia dalle donne (generalmente aperte sul tallone, molto alte, talmente alte che per camminare era necessario in molti casi il sostegno di due ancelle). Il ceto sociale passava anche dalle scarpe. I materiali utilizzati (broccati e sete pregiatissime per i ceti più alti), le decorazioni, l'altezza stessa, erano un chiaro messaggio di appartenenza sociale. Quando anche le cortigiane cominciarono a sfoggiare pianelle molto alte, attratte dal fascino erotico che conferiva il camminare a certe altezze, le donne di classe sociale agiata passarono a pianelle molto più basse. Le pianelle continuarono ad essere utilizzate fino alla fine del XVII secolo quando la zeppa venne gradualmente sostituita dal tacco unico posteriore, già molto amato a Parigi, città che nel frattempo stava diventando la nuova capitale europea della moda. Gli anni Trenta e Quaranta del Novecento Negli anni '30 e ancor più negli anni '40 del Novecento sarà un ciabattino di Bonito, paesino in provincia di Avellino, a riportare in auge la zeppa inventando quella che ancora oggi è considerata una delle creazioni artigiane più originali e innovative del made in Italy, sto parlando di Salvatore Ferragamo, il calzolaio dei sogni, come viene definito. La guerra del 1939 fu un duro colpo per l'allora fiorente attività di Salvatore Ferragamo che, da calzolaio di un piccolo paese del Sud Italia, era ormai diventato un'affermata realtà imprenditoriale internazionale. Con la guerra e le sanzioni economiche imposte nel 1936 dalla Società delle Nazioni il commercio estero di Ferragamo si arrestò di colpo e, ancor peggio, i materiali di alta qualità dei quali si serviva per lavorare scomparvero dal mercato. Improvvisare ingegnandosi fu l'unica soluzione possibile e fu da questa crisi che nacquero, ispirate da un pezzo di sughero sardo, le ormai iconiche zeppe Ferragamo. Le scarpe che Salvatore aveva realizzato fino a quel momento prevedevano la presenza di un sistema di sostegno dell'arco plantare costituito da una lamina di acciaio di ottima qualità, leggera e flessibile: il cambrione. Verso la fine del 1936, però, l'acciaio migliore fu requisito per la guerra in Etiopia e quello scadente si spezzava senza riuscire a sostenere il peso. Fu così che: "Una domenica mattina, inquieto e preoccupato, andai a Palazzo Spini Feroni e mi misi al tavolino a fare degli esperimenti. (...) Era quasi ora di pranzo, a malincuore misi da parte il materiale e stavo per alzarmi e andare a mangiare quando un pensiero improvviso mi balenò in mente. Perché non riempire tutto lo spazio dal tallone all'avampiede? (...) Cominciai a fare delle prove con pezzi di sughero sardo, pressando, incollando, aggiustando e rifinendo finchè l'intero spazio tra la suola e il tacco fu riempito. Finalmente terminai il primo paio: le prime scarpe col tacco a zeppa del mondo moderno - altrimenti dette lifties, come gli americani preferirono chiamarle dopo che Manuel Gerton inventò questo nome. Per un po' rimasi a guardarle: certo erano insolite, per non dire rivoluzionarie, ma mi sembrarono belle. Mi alzai e me le misi in tasca, come prova per giustificare il mio ritardo a pranzo. Poi feci ritorno a casa." (da Il calzolaio dei sogni - Autobiografia di Salvatore Ferragamo_Skira Editore) La prima cliente alla quale Salvatore Ferragamo mostrò la sua nuova creazione fu la duchessa Visconti di Modrone la quale, inizialmente molto delusa e incredula, ne fu poi entusiasta. In breve, nel giro di poche settimane, divenne il modello più venduto. Nel 1937 fu brevettato. Gli anni '40 furono dominati dalla presenza delle zeppe Ferragamo che nei successivi anni '50 furono sostituite dal tacco a spillo firmato Dior. Il ritorno negli anni '70 e '90 Le zeppe torneranno poi negli anni '70 e ancora negli anni '90, segnando fortemente lo stile di molti artisti del panorama musicale di quegli anni. Dalla zeppa in sughero a quella trasparente, dalla zeppa geometrica a quella a sospensione, la creatività e l'ingegno di Ferragamo restano comunque indissolubilmente legati a questo tipo di calzatura che continua a essere reinventata negli anni senza perdere mai il suo fascino.  Cosa regalare a una mamma che ama gli oggetti di design e le creazioni di moda? Ecco le nostre 10 proposte, per differenti budget.
La festa della mamma è alle porte. Domenica 12 maggio 2019 si festeggiano le donne che svolgono il delicato quanto prezioso compito di madri e, in molti casi, questa ricorrenza è accompagnata da un regalo appositamente pensato, o comunque da un piccolo pensiero che semplicemente sottolinei il valore che una madre ha nella propria famiglia e nella società in generale. Se sei alla ricerca di un regalo a tema moda e design ma non hai idea di cosa comprare, puoi prendere spunto dalle nostre idee e magari trovare l'ispirazione! Che tu debba scegliere fra un paio di orecchini o un oggetto di design per la casa, ecco alcuni consigli che arrivano direttamente dalle tendenze del momento. I brand di moda hanno infatti in molti casi realizzato delle collezioni ad hoc, ma ci sono anche alcuni prodotti sempre utili e apprezzati dalle mamme, che rispondono a diverse esigenze di budget. O Bag, creazioni per il mare in packaging ecologico Per le mamme che amano viaggiare e sono sensibili al tema dell'ecologia, le nuove scarpe a marchio O Bag sono una soluzione molto interessante per il regalo del 12 maggio. Tutte le calzature della collezione summer 2019, delle linee O shoes e O slippers, sono carine, colorate e versatili, e in più sono vendute in un packaging derivato dalla lavorazione della canna da zucchero. Bello ed eco-chic, il nuovo sacchetto è comodo sia per trasportare le scarpe, sia da usare come zainetto da spiaggia. www.obag.it/ Gioielli Swarovski per la festa della mamma con la campagna #followyoursun Sotto l'hashtag #FollowYourSun, la campagna Swarovski per la festa della mamma 2019 è un vero tripudio di luce e riflessi scintillanti. Ispirata al legame fra madre e figlio, la serie di gioielli, che include le collezioni North, Originally e Sunshine, è ricca di particolari. Non mancano cristalli, forme inedite e punte di oro rosa, a offrire il sempre apprezzato romanticismo ed eleganza senza tempo. #FollowYourSun Benetton, camicia bianca per tutti gli outfit Se c’è un capo del quale non si può fare a meno per la bella stagione è sicuramente la camicia bianca, declinata nelle diverse varianti. Che sia a manica corta, lunga, a tre quarti oppure caratterizzata da maxi volumi e linee dritte in stile maschile, si tratta di un capo piuttosto semplice (e sicuramente apprezzato) da regalare a una mamma. Si può fare un salto da Benetton per trovarne in diversi modelli, e a prezzi comunque contenuti. Da abbinare con un paio di pantaloni crop e un paio di sneakers per il tempo libero oppure, per il lavoro, con pantaloni a sigaretta e un paio di mocassini. Etro, la pochette RSVP in limited edition per celebrare le mamme Per le mamme attente alla moda e ai dettagli glamour, la pochette RSVP in limited edition di Etro ispirata alla Sfilata Donna Autunno - Inverno 2019/2020 realizzata in tessuto jacquard con l'iconico motivo Paisley e impreziosita da impunture a contrasto è assolutamente perfetta! Dopo essere andata sold out in brevissimo tempo qualche mese fa, è tornata disponibile on line su www.etro.com con una nuova bellissima parola: MAMMA. 158 € Maman & Sophie, i gioielli artigianali creati da una mamma innamorata della sua bambina I gioielli di Maman & Sophie sono perfetti per l'occasione già nel nome! Nascono dall'amore di una mamma per la propria figlia e per la vita. Le collezioni sono tante e tutte molto belle: ispirate alle fiabe, alle stelle, al mondo animale, ci sono poi le immancabili letterine... insomma ce n'è davvero per tutti i gusti e per tutte le tasche. Una bella storia da raccontare e bellissimi gioielli da condividere. www.mamanetsophie.it Villeroy & Boch, bellissimi vasi per fiori bellissimi Avere dei fiori freschi in casa fa sempre piacere, colorano gli ambienti, li rendono accoglienti e portano tanto buonumore. Non passano mai di moda! I vasi di Villeroy & Boch sono bellissimi, declinati in stili e misure diversi e a prezzi accessibili. Da regalare nella maniera classica, con una bella confezione regalo o, idea più originale, da far trovare già posizionato in casa con all'interno i suoi fiori preferiti e un bellissimo biglietto! Perfetto per le mamme romantiche... (clicca per vedere la collezione di vasi V&B) H&M, borse circolari in paglia per tuffarsi nell'estate con stile e leggerezza Per le mamme pratiche e ricercate le borse in paglia sono perfette: leggere e bellissime! Per questa primavera - estate 2019, H&M ne propone diversi modelli, da portare a tracolla o a mano, tutti perfetti per il mare, per essere sempre al top senza rinunciare alla comodità! € 29,99 Fornasetti, il regalo perfetto per le mamme che amano le arti decorative e il design Le ceramiche della storica collezione "Tema e Variazioni" di Piero Fornasetti ispirate al volto di Lina Cavalieri sono un meraviglioso inno alla bellezza e all'ironia che può esprimere un volto femminile. Ogni piatto di pregiata ceramica è un vero pezzo da collezione. Un grande regalo senza tempo, l'ideale per una mamma esteta, che ama l'arte e il design. Excélsa, la linea dedicata a Wonder Woman è Super! Tutte le vere mamme sono come Wonder Woman! La linea di Excélsa dedicata alla supereroina è perfetta per un regalo spiritoso e grintoso. La collezione è veramente vastissima, potete trovare piatti, tazze, bicchieri, ma anche il lunch box, la borsa termica, la lavagnetta magnetica, le tovagliette per la colazione e addirittura lo zerbino. I prezzi sono super accessibili. www.excelsa.it Legami, per un regalo divertente e colorato Sul sito di Legami Milano c'è davvero l'imbarazzo della scelta. Con l'iniziativa SUPER MUM! lanciata in occasione della Festa della mamma 2019, potrete scegliere tra tante idee regalo uniche e originali e ricevere un bellissimo Free Gift. Basta effettuare una spesa minima di 10 €. www.legami.com  Aldo Sacchetti a lavoro Intervista ad Aldo Sacchetti: il giovane e talentuoso illustratore e fashion designer italiano si racconta tra prestigiose collaborazioni e l'uscita del volume "L'alfabeto della moda" di cui ha curato i disegni. L'abbiamo potuto scoprire (e apprezzare) tramite il suo profilo Instagram. Un giorno, per caso. Un giovane ragazzo quasi sempre con la testa chinata su un foglio da disegno con matita alla mano e sguardo concentrato. Un susseguirsi di immagini che ritraggono le sue creazioni, le sue "creature", frutto del suo estro artistico e della sensibilità creativa che lo ispira. E da allora l'abbiamo seguito sul social, ammirando le sue coloratissime e intense piccole opere su carta. 25 anni, di Reggio Calabria ma trasferitosi a Roma per lavoro. Tra le sue più importanti collaborazioni ci sono colossi della moda come Bulgari e Fendi, oltre a diversi brand in altro ambito, da cui viene convocato come illustratore ad eventi e inaugurazioni in tutta Italia. Partecipa a fiere di settore, con live drawing e painting. Poi l'uscita del volume edito Carocci Editore, "L'alfabeto della moda", scritto dalla talentuosa Sofia Gnoli contenente le sue bellissime illustrazioni. Libro che abbiamo poi preso il libreria e recensito, perché frutto di una interessante collaborazione e di un progetto che ci è piaciuto molto, semplice quanto efficace. E così perché non proporgli un'intervista? Ci siamo chieste. Parlare di giovani talenti è sempre un piacere, raccontare la loro storia, come sono giunti a coronare i loro sogni nel cassetto, chiedergli cosa si aspettano dal futuro e come vorrebbero veder evolvere il proprio destino. E così, senza tante esitazioni l'abbiamo contattato per proporgli la cosa. Aldo Sacchetti si è dimostrato da subito entusiasta. Appuntamento telefonico, una chiacchierata informale, e tante informazioni e curiosità scaturite. Ciao Aldo, piacere e grazie per aver accettato la nostra intervista. Quando è nata la tua passione per il disegno e che percorso hai fatto per diventare un illustratore? <<Il disegno è parte di me, da sempre. Ricordo che da bimbo disegnavo sempre, soprattutto cuori, prova tangibile dell'animo romantico che ancora mi contraddistingue. Ho frequentato il Liceo Classico a Reggio Calabria ma da subito ho sentito forte la passione per il disegno e ho deciso, a studi terminati, di andare a Roma per seguire l'Accademia Internazionale d’Alta Moda “Koefia” e successivamente ho frequentato un Master. La formazione dell'Accademia è stata più specificamente legata al mondo della moda, io invece nutrivo il desiderio di spaziare e continuare a studiare e arricchirmi, motivo per cui mi sono focalizzato anche sul fumetto e sull'illustrazione>>. Hai potuto contare sul sostegno della famiglia? <<Mia madre in particolare mi ha sempre supportato, credendo in me profondamente. A lei devo tanto, rappresenta per me un caposaldo, tanto da richiamare la sua figura anche nei miei disegni. Posso dire in generale di essere fortunato perché non sempre si può far affidamento sulla propria famiglia in lavori non proprio "ordinari" come il mio>>. Quando hai capito che la tua passione sarebbe potuta divenire un vero e proprio lavoro? <<Sono ben consapevole che l'illustrazione spesso possa rimanere relegata al puro ambito dell'hobby e della passione "casalinga". Non è un mondo facile. In realtà la svolta l'ho avuta grazie ai social, a Instagram in particolare. E' sulla piattaforma, infatti, che sono stato notato per la prima volta da una persona che ha apprezzato i miei lavori e mi ha coinvolto in un lavoro remunerato. Poi è arrivata una seconda commissione, una terza e da lì mano a mano ho capito che la cosa funzionava. Ho acquisito allo stesso tempo sempre più fiducia. Diciamo che i miei disegni si sono poi fatti strada da soli>>. Non fosse andata bene, hai mai pensato a un "piano B"? <<Con il carattere deciso che mi ritrovo, non ho mai pensato a un'alternativa a quello che amo fare. Forse avrei intrapreso un nuovo corso di studi. Per un periodo ho anche fatto qualche altro lavoro, ma la sensazione che provavo era quella di togliere tempo a quello volevo realmente fare. Come se qualcosa di interiore mi richiamasse all'ordine dalle "distrazioni". Sono spinto da una passione molto forte che, insieme alla costanza, con il tempo portano i risultati sperati>>. Parliamo del tuo rapporto con il disegno: quanto vale l' "allenamento" per un disegnatore? <<La mano di un disegnatore va sempre allenata: più disegni più sai disegnare e hai idee. Ma di questo non mi posso proprio lamentare. La mia non è mai ferma. Ora il lavoro si è molto intensificato, disegno tantissimo per commissioni. Mi manca infatti il tempo per creare qualcosa di fantasia, che soddisfi semplicemente la mia ispirazione insomma. Non a caso porto sempre con me, ovunque vada, un blocco degli schizzi, matita, gomma pane e il mio set di acquerelli>>. Da cosa trai ispirazione per le tue illustrazioni? <<Ho già parlato di mia madre, che porto sempre con me anche nelle creazioni. Il mio background espressivo comprende i disegni di Walt Disney (la mia infanzia e il mio eterno amore), le ispirazioni provenienti dal teatro, dal cinema (Tim Burton e Paul Thomas Anderson nello specifico) e dalla moda (adoro lo stile bon-ton di Valentino). Ovviamente, quando mi viene commissionato un lavoro, studio ciò che vuole il cliente, mi faccio descrivere il mondo che deve essere rappresentato, declinando il mio stile distintivo alle richieste specifiche. In modo da risultare sempre riconoscibile, ma seguendo le necessità del singolo lavoro>>. Ciò che ci ha colpito subito guardando i tuoi disegni raffiguranti le figure femminili sono gli occhi molto grandi. E' una cosa voluta? <<Il motivo penso sia inconscio. Ho sempre pensato che gli occhi rappresentino la parte più importante di una persona. Tramite essi riesco ad andare oltre il semplice bozzetto di moda, riuscendo a dargli un'anima. Calco molto l'espressività per dare vita a ciò che il tratto di matita rappresenta sul foglio bianco>>. Passiamo ora al libro, uscito il mese scorso in tutte le librerie italiane, "L'alfabeto della moda" (edito Carocci), scritto da Sofia Gnoli, storica della moda e illustre giornalista di settore (collabora, come esperta di moda contemporanea, con Il Venerdì e con La Repubblica), e illustrato da te. Sei riuscito a guadagnarti una prestigiosa pubblicazione editoriale a soli 25 anni, una bella soddisfazione. Com'è nato il progetto? <<Io e Sofia ci siamo conosciuti quando frequentavo l'Accademia, seguendo il suo corso di Storia della moda. Da subito c'è stato feeling reciproco. Io la seguivo molto appassionatamente, attirato dalla sua immensa cultura e dal suo carisma. L'ho seguita anche come assistente. Finché un giorno mi coinvolse nel progetto del libro come illustratore delle parole di questo alfabeto della moda da lei argomentate. Ci abbiamo lavorato poco meno di un anno e ora giriamo insieme per le presentazioni. Una donna straordinaria dalla quale c'è solo da imparare>>. Quali sono ora i tuoi impegni e i progetti futuri? <<La collaborazione con Fendi è attualmente quella più strutturata, va avanti da oltre un anno. L'ultimo evento a cui ho presenziato c'è stato il 3-4 aprile. In programma ho un progetto molto interessante nel settore della moda del quale però mantengo ancora il riserbo. Il mio obiettivo sarebbe quello di divenire un riferimento per diversi brand>>. Per concludere, Aldo, cosa ti diresti in questo momento della tua vita? <<Dico a me stesso di credere sempre di più nelle mie capacità, di procedere fiducioso lungo la mia strada, di guardare avanti. Non mi faccio alcun complimento, sarebbe solo un traguardo compiacersi>>. Per ammirare le sue creazioni: Aldo Sacchetti su Instagram  Manifesto esposizione Bauhaus 1932 Nel 1919, a opera dell'architetto Walter Gropius nasceva la Scuola del Bauhaus, tra le più influenti e significative espressioni stilistiche moderne: ecco come ha influito sulla moda e sul design attuali.
Il Bauhaus compie 100 anni, ma è sempre attualissima come corrente artistica e stilistica, tanto da rappresentare una ricca fonte di ispirazione per l'architettura, il design e la moda. Per questo importante anniversario, sono tante le occasioni che ne celebrano il valore artistico, soprattutto in Germania: mostre, retrospettive, avvenimenti durante tutto l'anno, e anche alcuni grandi creativi della moda e del design hanno trovato il modo per omaggiare questa corrente con progetti appositamente studiati. Ma in realtà, il Bauhaus non ha mai abbandonato il modo di progettare e di creare, non solo in occasione del suo centenario. COME NASCE IL BAUHAUS: ALCUNI CENNI STORICI Il Bauhaus è stata una Scuola di architettura, arti applicate e design che ha operato in Germania dal 1919 al 1933, nata nella città di Weimar a opera dell'architetto, urbanista e designer Walter Gropius, ricordato come uno dei pilastri del Movimento Moderno in architettura. Il nome deriva dalla parola medievale "bauhutte", che significa "loggia dei muratori". La Scuola, erede delle avanguardie anteguerra, è stata il riferimento per i successivi movimenti di innovazione, e la sua esperienza didattica ha profondamente influito sul metodo di insegnamento tecnico e artistico, arrivando fino ai giorni nostri. La sua maggiore rivoluzione è stata quella di istituire uno stile architettonico che punta a unire arte e tecnologia raccontandole attraverso la semplicità e le linee essenziali. L'interruzione delle attività della scuola si deve all'avvento del nazismo. Questa filosofia rivoluzionaria ha sconvolto i confini, all'epoca invalicabili, tra arte e artigianato, creatività e meccanica, poetica e produzione industriale. Ha assecondato un moderno approccio razionalista basato sulla ricerca di forme, linee e superfici nuove, che ha portato alla creazione di pezzi iconici e che ancora oggi sono presi a esempio (pensiamo alla sedia Wassily in tubi metallici e pelle). IL BAUHAUS E LA MODA L’esperienza del Bauhaus è stata fondamentale per numerosi motivi e in molteplici settori. Per quanto riguarda il mondo del fashion design, l'eredità è tangibile ancora oggi nei vestiti di star come David Bowie (ricordiamo ad esempio la tuta in Ziggy Stardust) e Lady Gaga, ma le influenze sono evidenti anche sulle passerelle di tanti stilisti, da Yves Saint Laurent ad Alexander Wang a Paul Smith. Gli elementi distintivi sono le silhouette semplici, le linee dritte e pulite, le forme simmetriche e geometriche. Per quanto riguarda i toni, invece, esemplare l'utilizzo dei campi di colore. Prada e la sua collezione di borse Ouverture 2019 La collezione è stata lanciata con la stagione Resort 2019 ed è chiaramente ispirata alle forme del Bauhaus. Non a caso, infatti, i volumi geometrici sono il frutto della destrutturazione di un semplicissimo rettangolo. Si tratta di una linea di shopper, tote bags e bucket bags dallo stile generale molto essenziale, proposte in formati verticali o orizzontali in mignon, midi e maxi size, capienti e pratiche, con doppi manici, tracolle e fettucce per essere indossate al braccio, da hand-bag o cross-body. Molto minimalisti gli elementi decorativi che, come Scuola insegna, sono basici e poco visibili. Niente fronzoli, ma praticità e linearità. IL BAUHAUS E IL DESIGN Come già detto, l'insegnamento del Bauhaus è ancora attualissimo e ispira il lavoro di grafici, pubblicitari e architetti, oltre che degli stilisti. Soprattutto relativamente a un modo di progettare fondato su criteri essenziali, senza eccessive decorazioni ma con un’attenzione speciale per la funzione, valori applicati dai docenti di qualsiasi disciplina, dalla falegnameria, alla gioielleria al design. A questi principi, ad esempio, si è allineata la concezione dell'Ikea che arreda le case di mezzo mondo con il suo originale modo di assemblare i mobili e di renderli fruibili in maniera semplice. In occasione del suo centenario, la Scuola tedesca viene inoltre omaggiata da un gruppo di creativi che hanno rivisitato i loghi di famosi brand contemporanei attraverso i suoi tratti distintivi. Il progetto “Haus work”, ideato dalla piattaforma internazionale “99designs”, ha reinventato loghi e scritte di marchi come Netflix, Adidas, Apple, Google, Lego, BMW, BBC, Burger King, Domino’s, Starbucks, WWF e Ferrari con risultati davvero sorprendenti. Anche l'azienda Alessi omaggia il valore storico, artistico e culturale del Bauhaus con alcuni dei progetti prodotti su licenza del Bauhaus Archiv di Berlino: con packaging celebrativo troviamo infatti i Posacenere in acciaio e ottone “90010”, “90046” di Marianne Brandt e il Set per zucchero e crema in acciaio “90042” di Marianne Brandt e Helmut Schulze. |
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