Da Stella McCartney, pioniera dell' "animal free" alla recente notizia di Prada che abbandona le pellicce dal 2020: ecco come la moda si converte alla politica animalista.
La tematica è di grande attualità, in quanto è delle ultime ore la notizia del colosso italiano della moda, Prada, che adotta la politica del "fur-free", ovvero niente più pellicce nelle sue creazioni di moda a partire dal 2020. L'attenzione globale in questa fase storica è infatti molto orientata alle scelte ecosostenibili e ambientaliste, influenzando inevitabilmente i diversi comparti dell'economia, moda compresa. Tanti marchi del fashion, anche veri e propri colossi, si sono con il tempo "convertiti" a scelte più rispettose del mondo animale e della natura in generale, ma ce ne sono alcuni che hanno fatto di questi valori dei caratteri distintivi, a partire da tempi non sospetti. Prima su tutti la stilista Stella McCartney, ambientalista e vegana convinta, che non ha mai fatto utilizzo di materiali di origine animale e si è sempre battuta per queste cause (tra cui le campagne a fianco della Peta "People for the Ethical Treatment of Animals). Ma a nascere animal free ci sono marchi che già nel nome esprimono bene il concetto, su tutti Save the duck. 
​Negli ultimi anni, comunque, il passo più lungo fatto verso uno scenario "animal free" è quello di seguire la politica del "fur free", ovvero niente più pellicce. Lo hanno fatto, negli ultimi anni, Armani (dal 2016), Gucci (dal 2017), ma anche Jean Paul Gaultier, John Galliano, Versace, Hugo Boss, Burberry, Michael Kors, Furla, Diane von Furstenberg, Ralph Lauren, Calvin Klein, e altri operatori del settore moda, come il leader mondiale dell’e-commerce d’abbigliamento Ynap (Yoox Net-A-Porter-Group) e, ultimamente, anche la Fashion Week di Londra. Alla lista si è recentemente aggiunto Prada, che dal 2018 aveva comunque già ridotto di molto l’utilizzo di pellicce per le collezioni.
Chi è particolarmente interessato all'argomento, può trovare sul sito della Lav (Lega italiana Antivivisezione), nella sezione Animal Free, l’elenco dettagliato dei brand che hanno aderito agli appelli delle associazioni ambientaliste internazionali. Le aziende sono classificate anche tramite uno speciale tipo di valutazione, in base al tipo di impegno sostenibile: rinuncia all’utilizzo di pelliccia, piume, seta e pelle, lana (il rating va da V, VV, VVV fino a VVV+).

Alla ricerca di un regalo originale? Ecco alcune proposte davvero simpatiche per chi ama le serie tv e non solo.
Questo post di oggi nasce dal fatto che stanno letteralmente spopolando oggetti a tema serie tv. Un pò perché in questo periodo queste produzioni stanno riscuotendo davvero molto successo, un pò perché il mercato cerca sempre appigli originali da trasformare in tendenza. In questo caso, ci siamo divertite a trovare alcune proposte che faranno impazzire gli amanti di serie tv come Game of Thrones, Stranger Things e Friends. Le serie tv infatti hanno acquisito un ruolo piuttosto importante nel quotidiano di molti, questo anche grazie a servizi streaming come Netflix, Sky e Amazon Prime che, oltre a produrre originali di tutto rispetto, caricano intere stagioni da poter letteralmente..."divorare".

Infradito Havaianas di Game of Thrones
Gli amanti di Game of Thrones porteranno sempre con sé la loro serie preferita con le nuove flip flop Havaianas. Tre i modelli disponibili: Ghiaccio e Fuoco, che combina i sigilli delle due case unendo ghiaccio e fuoco per i fans di Jon Snow e Daenerys Targaryen; Il Trono di Spade, per chi ama i giochi di potere con la stampa del tanto agognato Trono; La mappa di Westeros, modello che riporta l'iconico simbolo di Game of Thrones, la mappa del continente che da sempre vede imperversare battaglie e scontri.

Dragone gonfiabile per il mare Game of Thrones
Dopo la tendenza degli ultimi tempi che vedeva spiagge di mezzo mondo invase da gonfiabili a forma di fenicotteri rosa, ecco che l'estate 2019 porta una new entry: il dragone di Game of Thrones. Cavalcando l’onda del successo della serie cult in onda su Sky, l'oggetto è realizzato in due versioni: il drago di ghiaccio e il drago di fuoco, proprio come quelli presenti in GoT.

T-shirt e felpa H&M di Friends
Facendo un salto nella catena di abbigliamento H&M è possibile trovare diversi modelli di t-shirt dedicate alla storica serie tv Friends. Dalla total white ampia con la semplice scritta a quella con la stampa della foto più classica del gruppo di amici newyorkesi. E' possibile trovare anche la felpa con cappuccio a tema.

Collezione mare H&M di Stranger Things
Disponibile a partire dal 23 maggio negli store e online, questa capsule collection donna e uomo omaggia la fortunata serie giunta alla terza stagione. La collezione mare comprende T-shirt, pantaloncini, tutine, costumi interi e bikini e diversi accessori che vanno dalla visiera alle ciabattine in plastica, un omaggio in generale agli iconici anni Ottanta che fanno da scenario a Stranger Things. 

Mega set Lego di Stranger Things
Direttamente dalla serie successo di Netflix, Stranger Things, 75810 – The Upside Down, ovvero il grande set Lego con ben 2287 pezzi che riproduce la casa di Joyce Byers in una struttura doppia: è riprodotta non solo l’abitazione del mondo reale ma anche il "sottosopra" con la possibilità di ruotare le due parti grazie al perno fornito dagli alberi. In vendita da questo giugno online e negli store Lego, è sorprendente per la massima cura di ogni più piccolo dettaglio.

Fotocamera Polaroid di Stranger Things
In vendita da questo giugno la nuova fotocamera Polaroid OneStep 2 Stranger Things Edition, un’edizione speciale e limitata. Diversi i riferimenti alla serie tv: la macchina non ha più il classico colore bianco e nero, ma blu scuro che riprende le atmosfere misteriose che caratterizzano la serie, mentre le scritte sono riportate capovolte nella parte frontale del corpo macchina. Stesse caratteristiche tecniche di base della fotocamera che presenta però un flash più grande, sviluppato dal laboratorio nazionale di Hawkins dove è girato Stranger Things. Sono inoltre proposti sedici frame di pellicole dedicati alla serie in tiratura limitata all’interno del pacchetto di pellicole.

Sandali ed espadrillas sì, ma con la zeppa per questa estate 2019! Ecco brevi cenni storici relativi a un dettaglio moda diventato iconico.
Scarpe scarpe scarpe!!! Per alcune donne sono una vera ossessione. In effetti si tratta di un accessorio cult che, nel corso della storia, è stato declinato in una così ampia varietà di modi che si potrebbero riempire innumerevoli scarpiere (e pagine di blog). Se ben scelto in base allo stile e all'occasione d'uso, un paio di scarpe può davvero trasformare anche il più semplice e lineare dei look o, al contrario, smorzare una mise particolarmente eccentrica. Tra le tendenze moda di questa estate 2019 spopolano i sandali e le espadrillas con la zeppa, ma probabilmente ne avrete già almeno un paio perché, come succede spesso con la moda, le tendenze sono cicliche e, quasi sempre, ritornano. E' quello che nel corso della storia è successo alle calzature con la zeppa, ovvero quelle calzature caratterizzate da un tipo di suola che solleva tutta la scarpa e ne sostituisce anche il tacco. Comodità quindi, ma con il giusto slancio! 

Cenni storici delle calzature con la zeppa
Dagli Egizi ai Romani
Le origini di questo tipo di calzatura risalirebbero all’antico Egitto quando non erano le donne ma gli uomini a servirsene. Testimonianze giunte fino a noi provano che fossero in particolare i macellai a indossare le zeppe con lo scopo di evitare che, lavorando, il piede venisse a contatto con il sangue. Anche nell'antichità classica si trovano esempi di calzari dotati di zeppa. Il coturno era proprio una calzatura consistente in una sorta di sandalo di legno dalla suola spessa, allacciato al piede o al polpaccio, che veniva utilizzato dagli attori, in particolar modo tragici, per fare in modo che risultassero maggiormente visibili dal pubblico. Considerati non di bell'aspetto, questi sandali venivano però nascosti dalle lunghe vesti. Non erano quindi considerati come ornamenti ma come strumenti utilizzati al puro scopo di accrescere la statura di chi li indossava. Nella Roma Imperiale diventeranno invece un vezzo femminile; le matrone romane ne indossavano di molto alti, arrivando a superare anche i 15 cm di altezza.
Rinascimento 
​Le zeppe col passare del tempo sono andate poi estinguendosi per ripresentarsi sotto forma di pianelle con l'avvento del Rinascimento. Molto popolari a Venezia e in Spagna, erano inizialmente utilizzate sia dagli uomini (tutte chiuse e più basse) sia dalle donne (generalmente aperte sul tallone, molto alte, talmente alte che per camminare era necessario in molti casi il sostegno di due ancelle). Il ceto sociale passava anche dalle scarpe. I materiali utilizzati (broccati e sete pregiatissime per i ceti più alti), le decorazioni, l'altezza stessa, erano un chiaro messaggio di appartenenza sociale. Quando anche le cortigiane cominciarono a sfoggiare pianelle molto alte, attratte dal fascino erotico che conferiva il camminare a certe altezze, le donne di classe sociale agiata passarono a pianelle molto più basse.  
Le pianelle continuarono ad essere utilizzate fino alla fine del XVII secolo quando la zeppa venne gradualmente sostituita dal tacco unico posteriore, già molto amato a Parigi, città che nel frattempo stava diventando la nuova capitale europea della moda. 
Gli anni Trenta e Quaranta del Novecento
Negli anni '30 e ancor più negli anni '40 del Novecento sarà un ciabattino di Bonito, paesino in provincia di Avellino, a riportare in auge la zeppa inventando quella che ancora oggi è considerata una delle creazioni artigiane più originali e innovative del made in Italy, sto parlando di Salvatore Ferragamo, il calzolaio dei sogni, come viene definito. La guerra del 1939 fu un duro colpo per l'allora fiorente attività di Salvatore Ferragamo che, da calzolaio di un piccolo paese del Sud Italia, era ormai diventato un'affermata realtà imprenditoriale internazionale. Con la guerra e le sanzioni economiche imposte nel 1936 dalla Società delle Nazioni il commercio estero di Ferragamo si arrestò di colpo e, ancor peggio, i materiali di alta qualità dei quali si serviva per lavorare scomparvero dal mercato. Improvvisare ingegnandosi fu l'unica soluzione possibile e fu da questa crisi che nacquero, ispirate da un pezzo di sughero sardo, le ormai iconiche zeppe Ferragamo. Le scarpe che Salvatore aveva realizzato fino a quel momento prevedevano la presenza di un sistema di sostegno dell'arco plantare costituito da una lamina di acciaio di ottima qualità, leggera e flessibile: il cambrione. Verso la fine del 1936, però, l'acciaio migliore fu requisito per la guerra in Etiopia e quello scadente si spezzava senza riuscire a sostenere il peso. Fu così che: "Una domenica mattina, inquieto e preoccupato, andai a Palazzo Spini Feroni e mi misi al tavolino a fare degli esperimenti. (...) Era quasi ora di pranzo, a malincuore misi da parte il materiale e stavo per alzarmi e andare a mangiare quando un pensiero improvviso mi balenò in mente. Perché non riempire tutto lo spazio dal tallone all'avampiede? (...) Cominciai a fare delle prove con pezzi di sughero sardo, pressando, incollando, aggiustando e rifinendo finchè l'intero spazio tra la suola e il tacco fu riempito. Finalmente terminai il primo paio: le prime scarpe col tacco a zeppa del mondo moderno - altrimenti dette lifties, come gli americani preferirono chiamarle dopo che Manuel Gerton inventò questo nome. Per un po' rimasi a guardarle: certo erano insolite, per non dire rivoluzionarie, ma mi sembrarono belle. Mi alzai e me le misi in tasca, come prova per giustificare il mio ritardo a pranzo. Poi feci ritorno a casa." (da Il calzolaio dei sogni - Autobiografia di Salvatore Ferragamo_Skira Editore)
La prima cliente alla quale Salvatore Ferragamo mostrò la sua nuova creazione fu la duchessa Visconti di Modrone la quale, inizialmente molto delusa e incredula, ne fu poi entusiasta. In breve, nel giro di poche settimane, divenne il modello più venduto. Nel 1937 fu brevettato.
Gli anni '40 furono dominati dalla presenza delle zeppe Ferragamo che nei successivi anni '50 furono  sostituite dal tacco a spillo firmato Dior. 
Il ritorno negli anni '70 e '90
Le zeppe torneranno poi negli anni '70 e ancora negli anni '90, segnando fortemente lo stile di molti artisti del panorama musicale di quegli anni. Dalla zeppa in sughero a quella trasparente, dalla zeppa geometrica a quella a sospensione, la creatività e l'ingegno di Ferragamo restano comunque indissolubilmente legati a questo tipo di calzatura che continua a essere reinventata negli anni senza perdere mai il suo fascino. 

Cosa regalare a una mamma che ama gli oggetti di design e le creazioni di moda? Ecco le nostre 10 proposte, per differenti budget.
La festa della mamma è alle porte. Domenica 12 maggio 2019 si festeggiano le donne che svolgono il delicato quanto prezioso compito di madri e, in molti casi, questa ricorrenza è accompagnata da un regalo appositamente pensato, o comunque da un piccolo pensiero che semplicemente sottolinei il valore che una madre ha nella propria famiglia e nella società in generale.
Se sei alla ricerca di un regalo a tema moda e design ma non hai idea di cosa comprare, puoi prendere spunto dalle nostre idee e magari trovare l'ispirazione! Che tu debba scegliere fra un paio di orecchini o un oggetto di design per la casa, ecco alcuni consigli che arrivano direttamente dalle tendenze del momento. I brand di moda hanno infatti in molti casi realizzato delle collezioni ad hoc, ma ci sono anche alcuni prodotti sempre utili e apprezzati dalle mamme, che rispondono a diverse esigenze di budget.

O Bag, creazioni per il mare in packaging ecologico
Per le mamme che amano viaggiare e sono sensibili al tema dell'ecologia, le nuove scarpe a marchio O Bag sono una soluzione molto interessante per il regalo del 12 maggio. Tutte le calzature della collezione summer 2019, delle linee O shoes e O slippers, sono carine, colorate e versatili, e in più sono vendute in un packaging derivato dalla lavorazione della canna da zucchero. Bello ed eco-chic, il nuovo sacchetto è comodo sia per trasportare le scarpe, sia da usare come zainetto da spiaggia. www.obag.it/

Gioielli Swarovski per la festa della mamma con la campagna #followyoursun
Sotto l'hashtag #FollowYourSun, la campagna Swarovski per la festa della mamma 2019 è un vero tripudio di luce e riflessi scintillanti. Ispirata al legame fra madre e figlio, la serie di gioielli, che include le collezioni North, Originally e Sunshine, è ricca di particolari. Non mancano cristalli, forme inedite e punte di oro rosa, a offrire il sempre apprezzato romanticismo ed eleganza senza tempo. #FollowYourSun

Benetton, camicia bianca per tutti gli outfit
Se c’è un capo del quale non si può fare a meno per la bella stagione è sicuramente la camicia bianca, declinata nelle diverse varianti. Che sia a manica corta, lunga, a tre quarti oppure caratterizzata da maxi volumi e linee dritte in stile maschile, si tratta di un capo piuttosto semplice (e sicuramente apprezzato) da regalare a una mamma. Si può fare un salto da Benetton per trovarne in diversi modelli, e a prezzi comunque contenuti. Da abbinare con un paio di pantaloni crop e un paio di sneakers per il tempo libero oppure, per il lavoro, con pantaloni a sigaretta e un paio di mocassini.

Etro, la pochette RSVP in limited edition per celebrare le mamme
Per le mamme attente alla moda e ai dettagli glamour, la pochette RSVP in limited edition di Etro ispirata alla Sfilata Donna Autunno - Inverno 2019/2020 realizzata in tessuto jacquard con l'iconico motivo Paisley e impreziosita da impunture a contrasto è assolutamente perfetta! Dopo essere andata sold out in brevissimo tempo qualche mese fa, è tornata disponibile on line su www.etro.com con una nuova bellissima parola: MAMMA. 158 €

Maman & Sophie, i gioielli artigianali creati da una mamma innamorata della sua bambina
I gioielli di Maman & Sophie sono perfetti per l'occasione già nel nome! Nascono dall'amore di una mamma per la propria figlia e per la vita. Le collezioni sono tante e tutte molto belle: ispirate alle fiabe, alle stelle, al mondo animale, ci sono poi le immancabili letterine... insomma ce n'è davvero per tutti i gusti e per tutte le tasche. Una bella storia da raccontare e bellissimi gioielli da condividere. www.mamanetsophie.it

Villeroy & Boch, bellissimi vasi per fiori bellissimi
Avere dei fiori freschi in casa fa sempre piacere, colorano gli ambienti, li rendono accoglienti e portano tanto buonumore. Non passano mai di moda! I vasi di Villeroy & Boch sono bellissimi, declinati in stili e misure diversi e a prezzi accessibili. Da regalare nella maniera classica, con una bella confezione regalo o, idea più originale, da far trovare già posizionato in casa con all'interno i suoi fiori preferiti e un bellissimo biglietto! Perfetto per le mamme romantiche... (clicca per vedere la collezione di vasi V&B)

H&M, borse circolari in paglia per tuffarsi nell'estate con stile e leggerezza
Per le mamme pratiche e ricercate le borse in paglia sono perfette: leggere e bellissime! Per questa primavera - estate 2019,  H&M ne propone diversi modelli, da portare a tracolla o a mano, tutti perfetti per il mare, per essere sempre al top senza rinunciare alla comodità! € 29,99

Fornasetti, il regalo perfetto per le mamme che amano le arti decorative e il design
Le ceramiche della storica collezione "Tema e Variazioni" di Piero Fornasetti ispirate al volto di Lina Cavalieri sono un meraviglioso inno alla bellezza e all'ironia che può esprimere un volto femminile. Ogni piatto di pregiata ceramica è un vero pezzo da collezione. Un grande regalo senza tempo, l'ideale per una mamma esteta, che ama l'arte e il design. 

Excélsa, la linea dedicata a Wonder Woman è Super!
Tutte le vere mamme sono come Wonder Woman! La linea di Excélsa dedicata alla supereroina è perfetta per un regalo spiritoso e grintoso. La collezione è veramente vastissima, potete trovare piatti, tazze, bicchieri, ma anche il lunch box, la borsa termica, la lavagnetta magnetica, le tovagliette per la colazione e addirittura lo zerbino. I prezzi sono super accessibili. www.excelsa.it

Legami, per un regalo divertente e colorato
Sul sito di Legami Milano c'è davvero l'imbarazzo della scelta. Con l'iniziativa SUPER MUM! lanciata in occasione della Festa della mamma 2019, potrete scegliere tra tante idee regalo uniche e originali e ricevere un bellissimo Free Gift. Basta effettuare una spesa minima di 10 €. www.legami.com  

Intervista ad Aldo Sacchetti: il giovane e talentuoso illustratore e fashion designer italiano si racconta tra prestigiose collaborazioni e l'uscita del volume "L'alfabeto della moda" di cui ha curato i disegni.
L'abbiamo potuto scoprire (e apprezzare) tramite il suo profilo Instagram. Un giorno, per caso. Un giovane ragazzo quasi sempre con la testa chinata su un foglio da disegno con matita alla mano e sguardo concentrato. Un susseguirsi di immagini che ritraggono le sue creazioni, le sue "creature", frutto del suo estro artistico e della sensibilità creativa che lo ispira. E da allora l'abbiamo seguito sul social, ammirando le sue coloratissime e intense piccole opere su carta.
25 anni, di Reggio Calabria ma trasferitosi a Roma per lavoro. Tra le sue più importanti collaborazioni ci sono colossi della moda come Bulgari e Fendi, oltre a diversi brand in altro ambito, da cui viene convocato come illustratore ad eventi e inaugurazioni in tutta Italia. Partecipa a fiere di settore, con live drawing e painting. Poi l'uscita del volume edito Carocci Editore, "L'alfabeto della moda", scritto dalla talentuosa Sofia Gnoli contenente le sue bellissime illustrazioni. Libro che abbiamo poi preso il libreria e recensito, perché frutto di una interessante collaborazione e di un progetto che ci è piaciuto molto, semplice quanto efficace.
E così perché non proporgli un'intervista? Ci siamo chieste. Parlare di giovani talenti è sempre un piacere, raccontare la loro storia, come sono giunti a coronare i loro sogni nel cassetto, chiedergli cosa si aspettano dal futuro e come vorrebbero veder evolvere il proprio destino. E così, senza tante esitazioni l'abbiamo contattato per proporgli la cosa. Aldo Sacchetti si è dimostrato da subito entusiasta. Appuntamento telefonico, una chiacchierata informale, e tante informazioni e curiosità scaturite. 
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Ciao Aldo, piacere e grazie per aver accettato la nostra intervista. Quando è nata la tua passione per il disegno e che percorso hai fatto per diventare un illustratore?
<<Il disegno è parte di me, da sempre. Ricordo che da bimbo disegnavo sempre, soprattutto cuori, prova tangibile dell'animo romantico che ancora mi contraddistingue. Ho frequentato il Liceo Classico a Reggio Calabria ma da subito ho sentito forte la passione per il disegno e ho deciso, a studi terminati, di andare a Roma per seguire l'Accademia Internazionale d’Alta Moda “Koefia” e successivamente ho frequentato un Master. La formazione dell'Accademia è stata più specificamente legata al mondo della moda, io invece nutrivo il desiderio di spaziare e continuare a studiare e arricchirmi, motivo per cui mi sono focalizzato anche sul fumetto e sull'illustrazione>>.
Hai potuto contare sul sostegno della famiglia?
<<Mia madre in particolare mi ha sempre supportato, credendo in me profondamente. A lei devo tanto, rappresenta per me un caposaldo, tanto da richiamare la sua figura anche nei miei disegni. Posso dire in generale di essere fortunato perché non sempre si può far affidamento sulla propria famiglia in lavori non proprio "ordinari" come il mio>>.
Quando hai capito che la tua passione sarebbe potuta divenire un vero e proprio lavoro? 
<<Sono ben consapevole che l'illustrazione spesso possa rimanere relegata al puro ambito dell'hobby e della passione "casalinga". Non è un mondo facile. In realtà la svolta l'ho avuta grazie ai social, a Instagram in particolare. E' sulla piattaforma, infatti, che sono stato notato per la prima volta da una persona che ha apprezzato i miei lavori e mi ha coinvolto in un lavoro remunerato. Poi è arrivata una seconda commissione, una terza e da lì mano a mano ho capito che la cosa funzionava. Ho acquisito allo stesso tempo sempre più fiducia. Diciamo che i miei disegni si sono poi fatti strada da soli>>.
​Non fosse andata bene, hai mai pensato a un "piano B"?
<<Con il carattere deciso che mi ritrovo, non ho mai pensato a un'alternativa a quello che amo fare. Forse avrei intrapreso un nuovo corso di studi. Per un periodo ho anche fatto qualche altro lavoro, ma la sensazione che provavo era quella di togliere tempo a quello volevo realmente fare. Come se qualcosa di interiore mi richiamasse all'ordine dalle "distrazioni". Sono spinto da una passione molto forte che, insieme alla costanza, con il tempo portano i risultati sperati>>.
Parliamo del tuo rapporto con il disegno: quanto vale l' "allenamento" per un disegnatore?
<<La mano di un disegnatore va sempre allenata: più disegni più sai disegnare e hai idee. Ma di questo non mi posso proprio lamentare. La mia non è mai ferma. Ora il lavoro si è molto intensificato, disegno tantissimo per commissioni. Mi manca infatti il tempo per creare qualcosa di fantasia, che soddisfi semplicemente la mia ispirazione insomma. Non a caso porto sempre con me, ovunque vada, un blocco degli schizzi, matita, gomma pane e il mio set di acquerelli>>.
Da cosa trai ispirazione per le tue illustrazioni?
<<Ho già parlato di mia madre, che porto sempre con me anche nelle creazioni. Il mio background espressivo comprende i disegni di Walt Disney (la mia infanzia e il mio eterno amore), le ispirazioni provenienti dal teatro, dal cinema (Tim Burton e Paul Thomas Anderson nello specifico) e dalla moda (adoro lo stile bon-ton di Valentino). Ovviamente, quando mi viene commissionato un lavoro, studio ciò che vuole il cliente, mi faccio descrivere il mondo che deve essere rappresentato, declinando il mio stile distintivo alle richieste specifiche. In modo da risultare sempre riconoscibile, ma seguendo le necessità del singolo lavoro>>.
Ciò che ci ha colpito subito guardando i tuoi disegni raffiguranti le figure femminili sono gli occhi molto grandi. E' una cosa voluta?
<<Il motivo penso sia inconscio. Ho sempre pensato che gli occhi rappresentino la parte più importante di una persona. Tramite essi riesco ad andare oltre il semplice bozzetto di moda, riuscendo a dargli un'anima. Calco molto l'espressività per dare vita a ciò che il tratto di matita rappresenta sul foglio bianco>>.
​Passiamo ora al libro, uscito il mese scorso in tutte le librerie italiane, "L'alfabeto della moda" (edito Carocci), scritto da Sofia Gnoli, storica della moda e illustre giornalista di settore (collabora, come esperta di moda contemporanea, con Il Venerdì e con La Repubblica), e illustrato da te. Sei riuscito a guadagnarti una prestigiosa pubblicazione editoriale a soli 25 anni, una bella soddisfazione. Com'è nato il progetto?
<<Io e Sofia ci siamo conosciuti quando frequentavo l'Accademia, seguendo il suo corso di Storia della moda. Da subito c'è stato feeling reciproco. Io la seguivo molto appassionatamente, attirato dalla sua immensa cultura e dal suo carisma. L'ho seguita anche come assistente. Finché un giorno mi coinvolse nel progetto del libro come illustratore delle parole di questo alfabeto della moda da lei argomentate. Ci abbiamo lavorato poco meno di un anno e ora giriamo insieme per le presentazioni. Una donna straordinaria dalla quale c'è solo da imparare>>.
Quali sono ora i tuoi impegni e i progetti futuri?
<<La collaborazione con Fendi è attualmente quella più strutturata, va avanti da oltre un anno. L'ultimo evento a cui ho presenziato c'è stato il 3-4 aprile. In programma ho un progetto molto interessante nel settore della moda del quale però mantengo ancora il riserbo. Il mio obiettivo sarebbe quello di divenire un riferimento per diversi brand>>.
Per concludere, Aldo, cosa ti diresti in questo momento della tua vita?
<<Dico a me stesso di credere sempre di più nelle mie capacità, di procedere fiducioso lungo la mia strada, di guardare avanti. Non mi faccio alcun complimento, sarebbe solo un traguardo compiacersi>>.

Per ammirare le sue creazioni: Aldo Sacchetti su Instagram

La redazione di Vogue Italia durante la Settimana del Salone del Mobile di Milano è uno scrigno di design e fantastiche sorprese: scopriamola insieme durante la mia visita!
Può una normale redazione, seppur importantissima, trasformarsi da luogo di lavoro in bianco/grigio a incredibile dimensione quasi magica piena di colore e bellezza? La risposta è... Sì! Se si tratta della redazione di Vogue Italia durante la Settimana del Salone del Mobile di Milano. 
Vogue è, come noto, una delle più prestigiose e autorevoli riviste del mondo della moda, dal 1909 edita da Condé Nast.
La sede italiana della redazione si trova al numero 5 di Piazzale Cadorna, zona centralissima di Milano. E' lì che sono andata due giorni fa per l'evento Life in Vogue#2, alla sua seconda edizione quest'anno dopo il successo del 2018.
Una decina di minuti di attesa, trascorsi nel bellissimo cortile del palazzo nel quale era presente una installazione luminosa firmata Nemo Lighting, main partner dell’evento, che sembrava suggerire che le nuvole fossero cadute dal cielo;  poi siamo saliti al terzo piano sbirciando al secondo la redazione di Vanity Fair (sempre del gruppo Condé Nast). 
A eccezione dell'area dedicata al Guardaroba (The Fashion Closet), che è stato riproposto per completezza di informazione essendo il cuore pulsante delle riviste di moda, ma che per ovvi motivi logistici e di spazio si trova in realtà in Via dei Missaglia, quello che si trova una volta arrivati al terzo piano è un insieme di ambienti, esattamente quelli che normalmente ospitano gli addetti ai lavori della redazione. La particolarità dell'evento è che gli spazi sono stati completamente svuotati in meno di 48 ore per dare il via alla rivisitazione e alla totale trasformazione delle stanze, nell'aspetto e nell'essenza, da parte di otto illustri menti creative, designer e architetti, di fama mondiale.
David Raffoul e Nicolas Moussallem sono due designer di Beirut che, forti delle loro precedenti esperienze, nel 2011 hanno poi fondato il loro studio. Abilissimi nel mixare estetiche dal gusto retro con elementi futuristici e contemporanei, hanno rivisitato l'ufficio del direttore di Vogue Italia, Emanuele Farneti, con l'intento di conferire allo spazio la dimensione di un ambiente domestico. 
Pierre-Marie Agin, conosciuto come Pierre Marie, giovane talento delle arti decorative e della grafica, si autodefinisce un "artista - ornamentalista". Oltre ad aver ricoperto le pareti del corridoio e degli ambienti comuni con una magnifica carta da parati dai colori pastello e dai motivi ipnotici, ha messo la propria firma nella Vogue Talents room, devo ammettere una delle mie preferite. Si ritrovano all'interno tutti i tratti distintivi dello stile del designer francese:  colori decisi e vivaci, motivi barocchi e influenza esotica. Riferimenti chiari anche al Futurismo e a Memphis, movimenti artistici italiani cari a Pierre Marie e riportati dall'artista come affettuoso omaggio alla città di Milano. 
Ana Kraš è una designer nata a Belgrado ma basata a New York. Nel corso della sua carriera ha sperimentato diversi campi spaziando molto, dalla fotografia alla pittura, dalla scultura alle collaborazioni con il mondo della moda. Si è occupata di dare nuova vita all'ufficio del direttore creativo. Protagonista assoluta una particolare sfumatura di grigio da lei definita “warm grey” intervallata da delicati tocchi di colore.
Massimiliano Locatelli, uno dei fondatori nel 1993 del famoso studio milanese, ha ripensato la Meeting Room con l'idea di portare all'interno della stanza il mondo che c'è fuori e lo ha fatto attraverso una serie di tavoli di marmo proveniente da diverse parti del mondo caratterizzati da toni cangianti di verde quasi a voler riprodurre il verde del vicino Parco Sempione. Tutti gli elementi di arredo scelti sono modulabili e realizzati con materiali sostenibili. Fa da sfondo un LED wall sul quale vengono proiettate immagini che riconducono all'universo di Vogue Italia.   
storagemilano sono dal 2002 Barbara Ghidoni, Marco Donati e Michele Pasini. A loro il compito di interpretare The Newsroom Office. La stanza, che normalmente è un ambiente unico, è stato suddiviso in due parti distinte a rappresentare due facce della stessa medaglia: una simmetrica, elegante e rigorosa nel suo ordine impeccabile (dominata dall'ottone, materiale amato fin quasi all'ossessione da Ghidoni/Donati/Pasini) e l'altra invasa dalla natura e apparentemente caotica. A rendere ancora più suggestivo questo ambiente naturale, i rumori e i suoni di sottofondo: un mix di cinguettii di uccelli e traffico. Come spiegano gli architetti: "Tutti abbiamo bisogno, per creare, del nostro spazio di ispirazione e di organizzazione. La natura è la dimensione che ci permette di ricaricare la mente, ci ricongiunge alle nostre radici. Se apparentemente può sembrare il posto più disordinato, si rivela in realtà il più perfetto e affascinante."
Rafael De Cardenas / Architecture at large dal 2006 lavora con il suo studio di design multisciplinare a New York per clienti da tutto il mondo. La stanza che ha ripensato Rafael è quella del Photo Editor e l'ispirazione va ben oltre lo spazio e il tempo esplorando l'universo nel 2039 e immaginando una sorta di convivenza con un asteroide. Un dettaglio sul tavolo (che vedrete in foto) fa ben comprendere che la fonte di ispirazione è Ultima Thule, asteroide scoperto nel 2014 che il 1° gennaio di quest'anno è stato oggetto di un sorvolo ravvicinato avvenuto con successo da parte della sonda spaziale New Horizons della NASA. Sul tavolo, in una teca di vetro, anche uno "space beetle", immaginato come l'unico abitante di Ultima Thule.
Jonathan Anderson, dal 2013 direttore creativo di Loewe (brand spagnolo di moda appartenente al gruppo LVMH) ha invece rivoluzionato l'ufficio del Fashion Editor. La sua firma si vede nell'utilizzo di elementi classici appartenenti alla tradizione britannica caratterizzati da un deciso tocco contemporaneo e minimalista. La sua interpretazione racconta la rottura che egli vede tra ciò che di solito  uno spazio lavorativo è e come lui ritiene ci si dovrebbe poter sentire vivendolo: felici, a proprio agio, comodi. Jonathan ha immaginato il direttore moda mentre lavora, seduto sul pavimento di morbida moquette, mentre osserva il quadro (ad altezza occhi per lui che è seduto) e la natura fuori. 
Studio Proba è stato fondato dalla designer tedesca Alex Proba nel 2013 e si trova a New York. A questo atelier multidisciplinare focalizzato sulla grafica e sull'artwork,  il compito di rivisitare la Break room in maniera divertente e colorata. All'interno anche un distributore automatico che, oltre a fornire patatine San Carlo (sponsor dell'evento) distribuisce anche oggetti di design (tra i quali pezzi iconici di Alessi) personalizzati dallo Studio.
A fare da filo conduttore tra tutti gli ambienti, unici nel loro genere per fonti di ispirazione, colori e stile, la presenza di magnifiche lampade iconiche, progettate da grandi creativi come Le Corbusier, Vico Magistretti e Franco Albini. 

Da martedì 9 fino a domenica 14 aprile 2019 torna a Milano il consueto appuntamento con la tanto attesa Design Week. Numerose iniziative ed eventi diffusi animano tutta la città per il Salone del Mobile e il Fuorisalone.
- 5 giorni! Il conto alla rovescia per l'inizio della Design Week 2019 sta per concludersi. Finalmente ci siamo: Salone Internazionale del Mobile e Fuorisalone metteranno in moto l'energia che animerà Milano nei prossimi giorni di aprile e che sicuramente si protrarrà ben oltre la fine degli eventi in programma.

COS'E' IL SALONE DEL MOBILE?
Dalla sua prima edizione, nel 1961, è oggi l’evento fieristico punto di riferimento a livello mondiale nel settore del design e dell’arredamento. Connubio perfetto tra business e cultura, si propone ogni anno come evento ideale nel quale presentare ai visitatori che sempre accorrono numerosi, prodotti di alta qualità nei quali estetica, funzionalità e ricerca dei materiali e dei procedimenti realizzativi sono sempre più rivolti all'innovazione e al futuro. 
Il Salone Internazionale del Mobile accontenta proprio tutti, è infatti suddiviso nelle tre tipologie stilistiche Classico, Design e Lusso.
Il 2019, anno dispari, sarà l'anno delle biennali Euroluce e Workplace3.0. L'anno prossimo e in generale negli anni pari sarà invece possibile visitare EuroCucina /FTK (Technology For the Kitchen) e Salone Internazionale del Bagno. 
Qualche dato sulla scorsa edizione, tenutasi dal 12 al 17 aprile:
1.841 espositori (il 27% dei quali dall'estero) su un'area espositiva dedicata di oltre 200.000 metri quadrati per 434.509 visitatori. 
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COS'E' IL FUORISALONE?
Ormai da oltre trent'anni, dai famosi anni della "Milano da bere", è il nome che si usa per definire l'insieme degli eventi sparsi in diverse zone di Milano che avvengono appunto "fuori" proprio mentre al polo fieristico, oggi è quello di Rho, si svolge il Salone Internazionale del Mobile. Col passare degli anni i settori che si sono lasciati coinvolgere sono sempre più numerosi, quindi non solo design, ma anche più in generale il mondo dell'arte e del food, per esempio.
Tutta la città può partecipare attivamente e contribuire all'energia che il Salone del Mobile innesca. 

Salone Internazionale del Mobile + Fuorisalone = Design Week!
Cosa non perdersi di questa edizione alle porte che quest'anno avrà come temi centrali la sostenibilità, l'equilibrio e gli stili di vita sani: 
Se avrete la possibilità di girare Milano in questi giorni di Design Week troverete certamente cose interessantissime anche senza aver messo giù un programma, ma visto che le proposte sono davvero tantissime, cerchiamo di fare un punto della situazione per individuare le zone più coinvolte e ricche di iniziative.
Le zone con la più alta concentrazione di mostre, eventi culturali, feste e aperitivi sono:
Tortona, qui ha iniziato a battere il cuore del Fuorisalone e ancora oggi è il quartiere simbolo della Settimana dedicata al Design, tra le numerose iniziative che avranno luogo qui segnaliamo l'inaugurazione dello spazio Armani/Silos con la prima mostra dedicata all'architettura: The Challenge ripercorre le tappe della carriera di Tadao Ando, architetto giapponese, classe 1941, tra i più noti a livello internazionale, attraverso le sue realizzazioni più rappresentative. Troverete progetti con schizzi, modelli originali, disegni tecnici, taccuini e fotografie, video installazioni. Dal 9 aprile fino al 28 luglio.
Brera e il suo Orto Botanico scenario perfetto per The Circulation Garden, installazione firmata dallo studio Carlo Ratti in collaborazione con Eni, ha la particolare caratteristica di essere stata realizzata con un materiale organico chiamato micelio, per cui al termine dell'esposizione potrà essere smantellata e riutilizzata come fertilizzante.
Quartiere Isola - Farini e la sua Fabbrica del Vapore dove andrà in scena Tierra Viva by Floristeria dal 9 al 14 aprile. Di giorno ci saranno esposizioni, eventi mercato, workshop, iniziative artistiche e culturali; di sera eventi musicali e live performance dal sound contemporaneo e ricercato: dalla cumbia-jazz al global drum 'n bass, dalla musica elettronica al sonido amazzonico. Un modo originale per attivare scambi di idee e riflessioni intorno al tema della terra e della sostenibilità. Sempre in Isola, La Stecca 3.0, incubatore d'arte progettato da Stefano Boeri nel quale troverete numerose installazioni tra le quali il primo bar realizzato interamente in stampa 3D.
Porta Romana: lunedì 8 aprile alle 20.00 sarà inaugurato anche il Parenti District Art & Design, progetto grazie al quale il Teatro Franco Parenti e gli adiacenti Bagni Misteriosi si propongono di riportare nei circuiti del Fuorisalone il quartiere di Porta Romana dopo anni di assenza. Ci saranno quindi installazioni, mostre, performance, laboratori, talk, cinema e happening per accendere una sinergia del tutto nuova tra le arti performative e il mondo dell’arte e del design. Da non perdere!
E poi Lambrate, quartiere cittadino riqualificato e dal 2000 polo di attrazione per molte iniziative. Diventato ormai iconico il rooftop di Via Ventura 15 dal quale è possibile godere di un particolare skyline, quest'anno lo spazio ospiterà Panoramix, una rassegna di eventi tra arte, design, musica e cibo. Il rooftop sarà aperto al pubblico dalla mattina fino a tarda sera con performance, dj-set e musica dal vivo.
Moltissime poi le mostre del Distretto delle 5 vie che ha organizzato anche la tradizionale e festosa Parata del Design Pride prevista quest'anno per mercoledì 10 aprile. Si tratta di un allegro corteo, a cura del brand italiano Seletti, animato da carri, musica, balli e performance. Si parte alle 18.00 da piazza Castello (angolo via Minghetti) per arrivare in piazza Affari dove avrà luogo un party all'ombra del famoso dito medio di Cattelan.
Ultima segnalazione importante, la sede centrale dell'Università Statale di Milano in Via Festa del Perdono 7 (zona centralissima), che merita ogni anno una visita. 
Un consiglio utile: se avete già in mente eventi ai quali tenete particolarmente, informatevi prima e fatevi inserire eventualmente nelle liste. Inutile dirvi che Milano in questo particolare periodo dell'anno è ancora più vivace e full of people!

Nel 1919, a opera dell'architetto Walter Gropius nasceva la Scuola del Bauhaus, tra le più influenti e significative espressioni stilistiche moderne: ecco come ha influito sulla moda e sul design attuali.
Il Bauhaus compie 100 anni, ma è sempre attualissima come corrente artistica e stilistica, tanto da rappresentare una ricca fonte di ispirazione per l'architettura, il design e la moda. Per questo importante anniversario, sono tante le occasioni che ne celebrano il valore artistico, soprattutto in Germania: mostre, retrospettive, avvenimenti durante tutto l'anno, e anche alcuni grandi creativi della moda e del design hanno trovato il modo per omaggiare questa corrente con progetti appositamente studiati. Ma in realtà, il Bauhaus non ha mai abbandonato il modo di progettare e di creare, non solo in occasione del suo centenario.

COME NASCE IL BAUHAUS: ALCUNI CENNI STORICI
Il Bauhaus è stata una Scuola di architettura, arti applicate e design che ha operato in Germania dal 1919 al 1933, nata nella città di Weimar a opera dell'architetto, urbanista e designer Walter Gropius, ricordato come uno dei pilastri del Movimento Moderno in architettura. Il nome deriva dalla parola medievale "bauhutte", che significa "loggia dei muratori". La Scuola, erede delle avanguardie anteguerra, è stata il riferimento per i successivi movimenti di innovazione, e la sua esperienza didattica ha profondamente influito sul metodo di insegnamento tecnico e artistico, arrivando fino ai giorni nostri. La sua maggiore rivoluzione è stata quella di istituire uno stile architettonico che punta a unire arte e tecnologia raccontandole attraverso la semplicità e le linee essenziali. L'interruzione delle attività della scuola si deve all'avvento del nazismo. 
Questa filosofia rivoluzionaria ha sconvolto i confini, all'epoca invalicabili, tra arte e artigianato, creatività e meccanica, poetica e produzione industriale. Ha assecondato un moderno approccio razionalista basato sulla ricerca di forme, linee e superfici nuove, che ha portato alla creazione di pezzi iconici e che ancora oggi sono presi a esempio (pensiamo alla sedia Wassily in tubi metallici e pelle).

IL BAUHAUS E LA MODA
L’esperienza del Bauhaus è stata fondamentale per numerosi motivi e in molteplici settori. Per quanto riguarda il mondo del fashion design, l'eredità è tangibile ancora oggi nei vestiti di star come David Bowie (ricordiamo ad esempio la tuta in Ziggy Stardust) e Lady Gaga, ma le influenze sono evidenti anche sulle passerelle di tanti stilisti, da Yves Saint Laurent ad Alexander Wang a Paul Smith. Gli elementi distintivi sono le silhouette semplici, le linee dritte e pulite, le forme simmetriche e geometriche. Per quanto riguarda i toni, invece, esemplare l'utilizzo dei campi di colore.
Prada e la sua collezione di borse Ouverture 2019
La collezione è stata lanciata con la stagione Resort 2019 ed è chiaramente ispirata alle forme del Bauhaus. Non a caso, infatti, i volumi geometrici sono il frutto della destrutturazione di un semplicissimo rettangolo. Si tratta di una linea di shopper, tote bags e bucket bags dallo stile generale molto essenziale, proposte in formati verticali o orizzontali in mignon, midi e maxi size, capienti e pratiche, con doppi manici, tracolle e fettucce per essere indossate al braccio, da hand-bag o cross-body. Molto minimalisti gli elementi decorativi che, come Scuola insegna, sono basici e poco visibili. Niente fronzoli, ma praticità e linearità. 

IL BAUHAUS E IL DESIGN
Come già detto, l'insegnamento del Bauhaus è ancora attualissimo e ispira il lavoro di grafici, pubblicitari e architetti, oltre che degli stilisti. Soprattutto relativamente a un modo di progettare fondato su criteri essenziali, senza eccessive decorazioni ma con un’attenzione speciale per la funzione, valori applicati dai docenti di qualsiasi disciplina, dalla falegnameria, alla gioielleria al design. A questi principi, ad esempio, si è allineata la concezione dell'Ikea che arreda le case di mezzo mondo con il suo originale modo di assemblare i mobili e di renderli fruibili in maniera semplice. In occasione del suo centenario, la Scuola tedesca viene inoltre omaggiata da un gruppo di creativi che hanno rivisitato i loghi di famosi brand contemporanei attraverso i suoi tratti distintivi. Il progetto “Haus work”, ideato dalla piattaforma internazionale “99designs”, ha reinventato loghi e scritte di marchi come Netflix, Adidas, Apple, Google, Lego, BMW, BBC, Burger King, Domino’s, Starbucks, WWF e Ferrari con risultati davvero sorprendenti. Anche l'azienda Alessi omaggia il valore storico, artistico e culturale del Bauhaus con alcuni dei progetti prodotti su licenza del Bauhaus Archiv di Berlino: con packaging celebrativo troviamo infatti i Posacenere in acciaio e ottone “90010”, “90046” di Marianne Brandt e il Set per zucchero e crema in acciaio “90042” di Marianne Brandt e Helmut Schulze.

Etro e Zara che personalizzano con nome rispettivamente pochette e jeans, ma anche Shampora che produce shampoo e balsamo su misura, ecco qualche esempio di "personalizzazione" nella moda e non solo per studiare il fenomeno.
C'è un'onda anomala che sta sconvolgendo le nostre vite ed è quella della customizzazione, ovvero il desiderio che tutto sia fatto ad hoc, solo per noi. Certamente questa voglia di personalizzazione che sta invadendo tutto e tutti ha preso il via dall'ultima tendenza da parte delle aziende, di moda e non solo, di omaggiare influencer e blogger di particolare successo con capi e accessori realizzati appositamente per loro. Il meccanismo "scatto e posto" si innesca in un attimo! Così anche la condivisione a catena e la diffusione del desiderio.
Un esempio lampante a dimostrazione di ciò è quello delle pochette RSVP che Etro ha fatto realizzare come buste-invito per le star invitate alla propria sfilata durante la Milano Fashion Week.
Bene, le pochette decorate con l'iconica tela Paisley resinata e con il nome degli invitati, giustamente postate e ripostate dai partecipanti sui propri profili social, hanno spopolato talmente da diventare una capsule collection in limited edition personalizzabile con il nome, in rosa o celeste. Sul sito di Etro è andata sold out in pochissimi giorni! 
Ma non è solo questo. Oggi, anche grazie al fiorire di startup innovative e originali, è molto più semplice rispetto a qualche anno fa riuscire a realizzare questo desiderio di personalizzazione. Magari è sempre stato latente dentro di noi, ma senza una nonna o una zia di buon cuore abili con i ferri e la macchina per cucire, rimaneva un sogno nel cassetto. Oggi bastano pochi clic e il gioco è fatto! 
Ho scoperto pochi giorni fa, per esempio, una startup che si chiama Shampora, che permette di realizzare, rispondendo a circa una ventina di semplici quesiti sul tipo di capello e lo stile di vita, shampoo e balsamo su misura per ognuno di noi! E non è finita: c'è anche la possibilità di far scrivere sulla confezione il nome della persona alla quale è destinato quel prodotto. Ottimo anche come idea regalo! Io non li ho ancora testati, ma trovo che il packaging sia molto carino nella sua semplicità e l'idea è assolutamente geniale! Se volete provare, cliccate qui > Shampora e sarete reindirizzati al sito. Io ho effettuato il mio primo ordine pochi giorni fa, è stato semplicissimo. Vi farò sapere poi la mia opinione una volta arrivati e provati i prodotti.
​Dal 27 marzo invece, per celebrare ancora una volta la tendenza denim che si è imposta per questa primavera in arrivo, ci pensa Zara a saziare la nostra voglia di personalizzazione con l'introduzione di un nuovo servizio per i suoi clienti: sarà possibile personalizzare i jeans e una selezione di capi in denim presenti in-store. Unica limitazione: la parola non può contenere più di undici caratteri e potrà essere impressa/ricamata su nove articoli selezionati della linea TRF in denim. Si potrà poi decidere dove posizionare la scritta, con quale font realizzarla e il colore del carattere. Il servizio è offerto senza limiti sul sito di Zara con i normali tempi di attesa degli acquisti on line, sarà invece proposto in esclusiva di pochi punti vendita ed effettuato al momento (a Milano sarà possibile usufruire del servizio nel negozio di Corso Vittorio Emanuele, a Barcellona in quello di Plaza Catalunya, ad Amsterdam in Kalverstraat). 

Chi non ha mai sentito parlare delle scarpe con la suola rossa di Christian Louboutin? Ecco una breve storia di come è nato il suo mito.
Quante donne farebbero pazzie per un bel paio di scarpe? Certamente non tutte, ma tantissime sì.
Io devo ammettere che rientro nel cliché delle donne ossessionate da questo incredibile oggetto del desiderio. Non necessariamente tacco 12, sia ben chiaro, ma la verità è che le scarpe all'interno di un look fanno tantissimo, possono trasformare un outfit da giorno in un perfetto look da sera in un attimo! Poterle cambiare e adattare alle proprie necessità e al proprio stato d'animo è fondamentale. 
E se queste scarpe fossero le iconiche scarpe dalla suola rossa di Louboutin? Amore a prima vista!
Sì perché Christian Louboutin, anima creativa e manageriale dell'omonimo brand, è tra quelli che hanno segnato il mondo delle calzature di lusso con una firma indelebile.
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Come nascono le scarpe di Christian Louboutin
Classe 1964, parigino, Christian capì subito che il classico percorso scolastico non faceva al caso suo e che seguire la sua naturale attrazione per il mondo circense e dei cabaret lo avrebbe portato nella giusta direzione. In fondo, come lui stesso ha affermato in diverse interviste, lui voleva disegnare scarpe per le showgirl! La sentiva come la sua vocazione naturale. Fece quindi il suo primo praticantato alle Folies Bergères, per poi lavorare con Charles Jordan in Romans. Molto grato a Roger Vivier, che considera suo mentore, nel corso della sua carriera ha collaborato con vari stilisti, come Chloé, Lanvin, Roland Mouret, Diane von Fürstenberg, Alexander McQueen e Victor & Rolf.
Nei primi anni Novanta lanciò la prima linea di calzature a proprio nome. Aprì quindi il suo primo negozio a Parigi e poi quello di New York. Da lì non si è più fermato, ha messo a segno un successo dietro l'altro e ha continuato a disegnare e realizzare scarpe da sogno caratterizzate da tacchi altissimi e design molto femminile, impreziosite spesso da vistose decorazioni come piume, borchie e strass.
Le sue sono scarpe sono estremamente sexy, enfatizzano il collo del piede e l'andatura sinuosa di chi le indossa. 
Nel 2010 Christian Louboutin ha dedicato una sua creazione, uno strepitoso sandalo nero di vernice caratterizzato da una serie di sette fibbiette colorate allacciate ad altrettanti bottoncini chiamato "The Blake", all'attrice Blake Lively, sua grande amica, nonché grande fan della maison, ma la Lively non è l'unica ad amarla follemente.

Perché le scarpe di Christian Louboutin hanno la suola rossa?
La curiosità maggiore relativa alle scarpe Louboutin è il perché della suola rossa, segno distintivo. Si dice il designer abbia visto lo smalto rosso della sua assistente e colorò con quello la prima suola. L'effetto prodotto, a quanto pare, lo entusiasmò. E' lui stesso a spiegare il colore: "È simbolo di eleganza e sensualità, dell'essere felici di essere donne. Ma, soprattutto, la suola rossa delle mie scarpe è come un fazzoletto che una donna elegante lascia cadere se ha visto un uomo che la attrae".

Louboutin e le star del mondo dello spettacolo
Pare che la sua prima cliente fosse stata Carolina di Monaco. Da allora, le scarpe di Louboutin sono state indossate nelle occasioni più esclusive da moltissime celebrità tra le quali Beyoncé, Christina Aguilera (possiede oltre 300 paia di stilettos Louboutin!), Victoria Beckham, Sarah Jessica Parker, Catherine Deneuve, Gwen Stefani, Madonna, Lady Gaga, Kate Moss (che le ha scelte anche per il  giorno del suo matrimonio), Dita Von Teese, Jennifer Lopez (che gli ha reso addirittura omaggio con la canzone intitolata proprio Louboutins); tra gli uomini le ama particolarmente l'artista Mika e come lui tanti altri. 

Novità uomo Louboutin 2019
A proposito di uomini, l'ultimissima novità firmata Christian Louboutin sono le sneakers maschili chiamate Run Loubi Run. Seguono la tendenza delle già affermate ugly sneakers, ancora protagoniste (ahimè) della moda 2019, e hanno l'immancabile suola rossa, marchio di fabbrica del brand e oggi rivendicato con soddisfazione ancora più grande visto che finalmente, dopo anni di diatribe in tribunale, è arrivata di recente la sentenza definitiva che stabilisce che la suola rossa è ad uso esclusivo della maison Louboutin in quanto identificativa del marchio. 

A marzo 2019 Barbie compie 60 anni. A vederla non si direbbe, impegnata com'è a declinarsi in mille vesti diverse e impegnata nelle più disparate attività. E' allo stesso tempo astronauta, chef, pizzaiola, stilista, veterinaria, chimica, calciatrice, pompiere, imprenditrice, artista, surfista, fotografa seguendo il motto "Puoi essere tutto ciò che desideri".
"You can be Anything": su queste parole si poggiano le basi della creazione di questo vero e proprio mito. "Tutto il mio pensiero intorno a Barbie si basava sull'idea che, attraverso la bambola, le bambine potessero essere tutto ciò che desideravano. Barbie ha sempre rappresentato la possibilità di scegliere per le donne", ecco il pensiero della creatrice di Barbie, Ruth Handler (dal sito ufficiale della bambola).

Ma come nasce Barbie? Qual è la sua storia?
1958, città di Willow nel Wisconsin (USA). Ruth Handler è mamma di due bimbi e moglie del co-fondatore della casa di giocattoli Mattel. Osservando sua figlia giocare con delle bambole fatte di cartone, la donna si rese conto di quanto fosse spontaneo per una bambina attribuire ruoli da adulti ad esse, facendo far loro compiti e azioni da grandi in una mondo nel quale il mercato delle bambole era costituito solo da bambolotti neonati. Anche un altro aspetto colpì Ruth. Si rese conto che mentre suo figlio poteva calarsi in tanti ruoli, diversificando i suoi giochi, ciò che era naturalmente riservato alla bambina era il ruolo di mamma, giocare a fare la mammina. Fu così che la donna ebbe l'intuizione di creare una bambola dalle sembianze adulte, suggerendo subito la cosa al marito  Elliot, inizialmente riluttante. Ruth non si fermò, rielaborò l'idea della bambola tedesca "Bild Lilli" e progettò così la prima Barbie (chiamandola Barbara come sua figlia) insieme all'ingegnere Jack Ryan. 
Era il 9 marzo 1959 quando la bambola esordì sul mercato. Era vestita con un costume da bagno zebrato, aveva la pelle chiara e nella doppia versione capelli mori e biondi legati con la coda. Ben 350.000 pezzi furono venduti solo nel primo anno. L'amore con il suo eterno fidanzato, Ken (chiamato così dal nome del figlio degli Handler, Kenneth) nacque invece nel 1961 su un set televisivo. 

Se inizialmente Barbie era soprattutto la ragazza che incarnava la bellezza classica americana (magrissima, biondissima, fashionissima, madre premurosa, moglie fedele, convenzionale e conservatrice), gradualmente si è giunti alle declinazioni più diverse, per offrire alle bambine ampia scelta tra bellezze e ruoli sociali a disposizione delle più fantastiche storie da inventare. Non sono mai mancate, infatti, le controversie legate a questa bambola. Stereotipo di una bellezza impossibile e lontana dalla realtà, giudicata anche pericolosa nelle mani di bambine ancora immature e vulnerabili. Accadde così, ad esempio, che nel 1997 il bacino delle Barbie fosse rimodellato divenendo più ampio. Fino a giungere a tempi più recenti, che vedono Barbie riflettere sempre di più il mondo contemporaneo e le sue diversità infinite. Si parla quindi di nuove tipologie di corpo (curvy, tall e petite), ma anche di colore della pelle, di consistenza e forma dei capelli, e di oltre 200 carriere svolte dalla super bambola, molte delle quali relegate in passato al solo genere maschile.
Il mondo della moda e del design non poteva rimanere al di fuori di questo grande fenomeno. Barbie è la musa di artisti e designer in tutto il mondo, da Lagerfeld a Louboutin, da Moschino a Monique Lhuillier. L'ultima stilista ad aver pensato a Barbie è Patrizia Pepe che per il sessantesimo anniversario ha presentato a Pitti Bimbo una capsule collection di mini capi dedicati proprio alla bambola.

Lo scorso ottobre mi trovavo a New York e, innamorata pazza come sono di Audrey Hepburn e del suo Colazione da Tiffany, non ho potuto non far tappa nella gioielleria più famosa del mondo!
Entrata in punta di piedi e con gli occhi a cuoricino in quello che è per me una sorta di tempio, avevo ammirato e fotografato anche un bellissimo collier con diamante, l'inestimabile Tiffany Diamond. Durante la Notte degli Oscar 2019 poi l'ho riconosciuto! Portato via dalla sua teca di vetro, pendeva al collo di una superlativa Lady Gaga. E' stata proprio lei infatti la fortunata ad avere avuto l'onore di indossare questo preziosissimo pezzo da 30 milioni di dollari (!!!) e l'ha fatto secondo me nella maniera più elegante possibile inserendolo, non a caso, all'interno di un look che fungeva da tributo all'eterna e infinita Audrey Hepburn di "Colazione da Tiffany".
Protagonista indiscussa della serata americana più glamour dell'anno è stata proprio la cantante (e ora anche attrice osannata dalla critica) di origini italiane che ha vinto l'Oscar per la migliore canzone orginale "Shallow" colonna sonora del film "A Star is Born" di Bradley Cooper. Ad attirare l'attenzione su di lei ha di certo contribuito anche la curiosità di scoprire quale sarebbe stato il suo look, avendoci abituato ad abiti molto eccentrici e anticonformisti, ma negli ultimi tempi il suo stile è virato verso toni più sobri ed eleganti e per la Notte degli Oscar ha di certo colpito nel segno.
L'abito nero bustier con strascico disegnato da Alexander McQueen, i capelli chiarissimi raccolti in uno chignon tirato, un trucco leggerissimo e intenso, lunghi guanti di seta nera...e poi questo collier di platino dal valore inestimabile con diamante giallo da 128.54 carati che, come si può leggere sul profilo ufficiale Instagram di Tiffany&Co: "the priceless Tiffany Diamond—one of the largest and finest Fancy Yellow diamonds in the world. Released from the vault specifically for Lady Gaga, this marks the first time in history that the legendary Tiffany Diamond has graced an awards show red carpet". 
Insomma, semplicemente perfetta e volutamente somigliante a una contemporanea Holly Golithly. 
La persona che prima di Lady Gaga aveva indossato questa meraviglia (stesso diamante montato su un diverso collier) era stata proprio la mitica Audrey Hepburn durante la promozione di "Colazione da Tiffany" nel 1961.

Pochi giorni fa si è conclusa la Settimana della Moda milanese, quella che in questo periodo, come ogni anno, ci mostra le tendenze per il prossimo Autunno/Inverno. E noi, che dall'inverno stiamo uscendo a fatica e già facciamo gli occhi dolci alle vetrine che cominciano a riempirsi di capi leggeri e fluttuanti, non possiamo comunque far finta di niente. 
La mia attenzione è caduta, oltre che sull'ultima collezione (meravigliosa) di Fendi firmata Karl Lagerfeld e su altri grandi nomi dell'Alta Moda, su un trio di uomini che hanno fatto la storia nei loro rispettivi settori e che, insieme, continuano a dare vita a qualcosa di bello da raccontare: sono Jean-Charles de Castelbajac, stilista e artista francese che negli anni Ottanta e Novanta ha fatto tanto parlare di sè; Luciano Benetton, imprenditore e fondatore del Gruppo Benetton; Oliviero Toscani, maestro nell'arte della fotografia e firma di spicco di molte delle più discusse e indimenticabili campagne pubblicitarie della storia di Benetton (e non solo).
"The Rainbow Machine", nome che identifica la collezione firmata Castelbajac per Benetton, ha sfilato il 19 febbraio, giornata di apertura della Settimana della Moda, segnando il debutto di United Colors of Benetton in passerella. E' innegabile che negli ultimi anni Benetton non abbia brillato particolarmente, le proposte risultavano noiose e ripetitive. La presenza alla Settimana della Moda e la capsule collection firmata Castelbajac (per quanto non si discosti dallo stile solito del brand) rappresentano un guizzo di energia e di novità notevole.
Come il nome dichiara esplicitamente, la collezione è un omaggio all'arcobaleno e ai colori, marchio di fabbrica di Benetton e punto cruciale anche della creatività del suo nuovo direttore artistico.
Colore e ironia quindi, uniti all'insegna di una moda democratica (i prezzi infatti vanno dai 9 euro per una t-shirt ai 300 euro dei capispalla). 
L'animo da artista di Castelbajac è venuto fuori in maniera dirompente nel corso della sfilata che è stata pensata, come lui stesso ha dichiarato, più come una performance che come una semplice passerella. Erano infatti presenti delle vere macchine per maglieria con tanto di operaie a lavoro racchiuse all'interno di gabbie di neon colorati a elogiare il lavoro che viene svolto ogni giorno all'interno degli stabilimenti Benetton. A immortalare il tutto e a curare l'immagine della nuova collezione troviamo l'intramontabile genio di Oliviero Toscani. Meno irriverente del solito, ma sempre improntato alla bellezza della diversità, alla convivenza pacifica e sorridente di popoli e culture diverse accomunate dai colori, dai sorrisi e da accessori vistosi e divertenti.
Alcuni capi scelti della nuova collezione A/I 2019/2020 sono disponibili in anteprima, ma esclusivamente on line, nello store di Londra e in due negozi di Milano centro (Piazza Duomo e Corso Vittorio Emanuele) e per un periodo molto breve. 

Quest'anno l'inizio della Settimana della Moda di Milano è coinciso con una notizia molto triste: il 19 febbraio è venuto a mancare a Parigi, all'età di 85 anni, Karl Lagerfeld, stilista visionario dotato di immenso talento e direttore creativo prima di Fendi, famiglia alla quale è rimasto sempre molto legato, e poi dal 1983 di Chanel.
La notizia della scomparsa dello stilista sconvolge ma sorprende fino a un certo punto, visto che proprio a fine gennaio, al termine della sua ultima sfilata d'Alta Moda al Grand Palais di Parigi, non era uscito a salutare il suo pubblico. Non era mai accaduto prima.  
Diventato negli anni una vera e propria icona pop, Karl Lagerfeld ha contribuito a plasmare con la sua innata sensibilità estetica l'immagine di moltissime attrici di Hollywood, tra le quali una delle mie preferite in assoluto, Penelope Cruz, che lo ha ricordato in questi giorni con numerosi post sul proprio profilo Instagram, e la super modella Claudia Schiffer, che con Lagerfeld condivideva anche le origini tedesche. La top model icona degli anni Novanta lo ha ricordato sulla propria pagina Instagram con un messaggio bellissimo nel quale rivela come  Karl sia stato la sua "magic dust", la polvere magica che ha trasformato una timida ragazza tedesca nella Claudia Schiffer che tutti conosciamo bene e aggiunge che Lagerfeld è stato l'unico che è riuscito a riempire di colore il bianco e nero.
Karl Lagerfeld, che deve l'inizio della sua carriera al bozzetto di un cappotto col quale partecipò e vinse, nel 1954, il neonato Woolmark Prize, non era solo moda, era molto di più. La sua immensa creatività spaziava in moltissimi ambiti: dalla fotografia (realizza infatti le campagne stampa di Fendi e Chanel),  all'editoria di moda, al design di arredi.
La caratteristica che più mi affascina di Karl Lagerfeld è l'insaziabile curiosità che lo caratterizzava. Amava moltissimo i libri, penso impazzirei nella biblioteca di casa sua a Parigi! Nutriva la sua creatività in mille modi diversi. Non ha tralasciato neppure la scrittura e la regia, ha infatti ideato, scritto e diretto "Once upon a time" e  "The Return" due cortometraggi legati a due momenti fondamentali della vita di Coco Chanel: i primi passi di Gabrielle a Deuville, nel primo, e la riapertura della boutique Chanel nel 1954, nel secondo.  
Era inoltre un brillante illustratore, pochi rapidi tratti di pennarello nero per dare vita a piccoli capolavori, come si vede nell'interessante video intervista realizzata per Fendi che troverete alla fine di questo post. Proprio nelle sue collezioni per Fendi, Karl Lagerfeld ricorse spesso a capi e dettagli in pelliccia, motivo per il quale è stato spesso criticato, soprattutto negli ultimi anni. Lui però alle critiche non dava peso. Anche quelle mosse contro di lui per la scelta di modelle troppo magre non lo scalfirono, aveva sempre una battuta piena di sarcasmo pronta da servire. 
​Molto sicuro di sè, seguiva il suo istinto. Talmente sicuro di sè che nel 2004 fu il primo grande stilista a creare una collezione per H&M, senza paura di legare il suo nome a un marchio low cost.  
Dal 2011 alla sua già enorme notorietà si aggiunge quella di Choupette, la sua bellissima gatta birmana dagli occhi azzurri che gli ha letteralmente rubato il cuore e alla quale ha lasciato in eredità un immenso patrimonio. 
I portavoce della Maison Chanel hanno fatto sapere che le ultime volontà di Karl Lagerfeld saranno rispettate e che quindi il corpo dello stilista verrà cremato e le sue ceneri disperse in un luogo segreto, come da lui stesso stabilito.  
La Maison ha già annunciato anche che a continuare il lavoro di Coco Chanel e Karl Lagerfeld sarà Virginie Viard, da più di trent'anni braccio destro di Karl. 

Il polo fieristico di Rho ha ospitato anche quest'anno, in contemporanea, due importanti fiere dove business e fashion si incontrano: MICAM, dedicata alle calzature, e MIPEL, dedicata alla pelletteria. 

Io ho fatto un giro ieri, 13 febbraio, giorno di chiusura. Trattandosi dell'ultimo giorno, ho potuto girare con calma tra i numerosi stand presenti concentrandomi su quelli che attiravano maggiormente la mia attenzione, ma non ho respirato l'aria di fermento e vivacità che sicuramente caratterizza le prime giornate. La cosa che mi ha colpito maggiormente, al di là del grandissimo numero di aziende presenti, è stato lo spazio espositivo dedicato ai designer emergenti italiani che stanno avviando un percorso di internazionalizzazione per portare lo stile e la qualità del Made in Italy nel mondo. Collocato all'interno della sezione Luxury di MICAM, Young Italian Emerging Designers Around The World ha presentato questi 5 giovani talenti:
Madame Cosette, ovvero Sarah Balivo, sorella minore della conduttrice Caterina Balivo. Sarah, architetto e set designer, ha iniziato la sua avventura nel mondo del design delle calzature nel 2016, l'anno scorso ha vinto il contest “EMERGING DESIGNERS@MICAM 2018”. Attraverso le sue creazioni esprime la sua filosofia del bon-ton contemporaneo per donne sofisticate, ma al passo coi tempi. 
Francesca Bellavita, bergamasca ma cittadina del mondo, ha 32 anni ed è già alla sua terza collezione. Tutte le sue scarpe sono contraddistinte dalla scritta provocatoria "Don't call me doll" che, incisa sotto ogni suola, sintetizza la sua filosofia. Produce nel distretto calzaturiero di Parabiago. 
Andrea Mondin, trevigiano, ha fondato il suo brand nel 2016 dopo aver collaborato con diversi prestigiosi marchi della moda. Protagonisti assoluti delle sue collezioni sono il tessuto e i colori attraverso i quali si propone, ispirandosi agli arazzi e alla tradizione degli ornamenti d'arredo, di raccontare una storia che passa attraverso la scarpa. 
Anna Baiguera è cresciuta nel mondo delle calzature provenendo da una famiglia caratterizzata da una lunga tradizione nel settore calzaturiero, ma ha deciso di fondare, grazie alle conoscenze e all'esperienza acquisite negli anni, un brand che porta il suo nome in cui far confluire la propria personalità. 
Damiano Marini, romano, classe 1984, dopo aver maturato esperienza presso altri brand del lusso, nel 2015 ha deciso di dare vita a un marchio tutto suo dove il design ultramoderno e sofisticato incontra la femminilità, sempre all'insegna della ricercatezza dei materiali e dell'artigianalità Made in Italy.
 
Vi lascio con una piccola galleria nella quale potrete vedere due diverse creazioni per ogni designer, vi daranno un'idea dello stile e delle personalità che li contraddistinguono, e vi ricordo che il prossimo appuntamento con MICAM si terrà dal 15 al 18 settembre 2019, in concomitanza con MIPEL, HoMI e con la settimana della moda milanese.  
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