E' una fonte inesauribile di creatività e passione per la musica e per l'arte in generale; una personalità che straripa di idee e di visioni innovative; napoletana, di nascita e per scelta. Fabiana Martone ci accompagna alla scoperta del suo ultimo disco, di cui uscirà a breve il video del secondo estratto, tra ricordi d'infanzia, di come è iniziata la sua passione per la musica, le influenze della tradizione canora napoletana e i programmi futuri. 
Fabiana Martone ha respirato la musica e l'arte in senso assoluto fin dalla sua infanzia, nata e cresciuta in una famiglia fortemente rivolta alla creatività espressiva. E in un contesto culturale brulicante di ispirazioni e colori, come quello napoletano. La sua carriera di cantante inizia intorno ai vent'anni, sperimentando molti generi, dal jazz al gospel alla classica napoletana alla musica sperimentale. Ha condiviso il palco con importanti jazzisti tra cui Famoudou Don Moye degli Art Ensemble of Chicago, Renato Sellani, Dario Deidda, Piero de Asmundis, Marco Pezzenati, e nei suoi lavori teatrali come attrice e cantante ha affiancato nomi del calibro di Nino D'Angelo, C. Croccolo, G. Miale di Mauro, N. di Pinto, T. Femiano. Di grande rilevanza ora è la sua collaborazione con il gruppo Nu Guinea, con i quali sta seguendo un fortunato tour in italia e all'estero, mentre continua l'attività musicale con la band Sesèmamà di cui è fondatrice autrice, musicista e cantante. Fabiana Martone è attualmente anche la cantante della Uanema Swing Orchestra e ha all'attivo diverse uscite discografiche (Flowers 2008 - di Fabiana Martone;  Fabiana Martone and Big Band Bond 2011; Creature 2014 - di Fabiana and Soundflowers -; Agave blu 2016 - di Fabiana Martone e Marco Pezzenati -; Sesè Mamà 2018 - di Sesèmamà -; Nuova Napoli 2018 - dei Nu Guinea -; e l'ultimo disco personale Memorandum, uscito a fine 2018). 

Ciao Fabiana, com'è nata la tua passione per la musica?
<<Io veramente a questa domanda non ho mai saputo rispondere. Ho iniziato a sentire i dischi di mio padre, quelli che aveva raccolto da ragazzo e quelli che continuava a comprare quando io ero adolescente. Quindi lui è una delle ragioni per cui è nata la mia passione per  la musica. A mia memoria ho cominciato a cantare proprio intorno ai dodici anni, ascoltavo i primi compact disc con le cuffie e cantavo per farmi ascoltare da tutti. Mi piaceva questa cosa di riprodurre i suoni cercando di farlo nel modo più fedele possibile a quello che ascoltavo. E poi mi piaceva e mi piace tanto ballare, muovermi a tempo creando delle mie personali coreografie, rigorosamente in tema con lo stile musicale che ascolto. Un altro motivo fondamentale per cui mi sono incuriosita verso la musica sono le mie zie. Ricordo benissimo la prima volta che ascoltai Pat Metheny una volta che andammo a casa della nonna, dove loro abitavano ancora, e infatti "Letter from home" lo conosco a memoria e Pat Metheny è stato il mio primo concerto live>>.
Quali sono le tue fonti di ispirazione?
<<Io mi lascio ispirare molto dalla natura, da Napoli, dai paesaggi e tantissimo dalle emozioni. Ho sempre dovuto faticare tanto per imparare a guardare alle mie emozioni, e alla cura loro e dei miei stati d’animo quindi spesso mi soffermo su queste tematiche. E poi un’altra cosa importante a cui penso spesso è il senso della bellezza, il suo valore; per quanto si possa dire che il senso della bellezza sia soggettivo, in realtà io lo ritengo fortemente oggettivizzabile e individuabile in tante piccole e grandi cose, dal come si sta al mondo al come si tratta il prossimo, da come si cura il proprio balcone a come ci si relaziona con l’intero universo. Non vorrei mai peccare di presunzione, ma infondo da quando ho cominciato a scrivere con più’ assiduità cose mie, uno dei motori è la ricerca e diffusione di un senso di bellezza che si esterni soprattutto nel rispetto del creato e di tutte le creature soprattutto al di fuori del genere umano>>.
Parliamo della tradizione canora napoletana nella tua formazione e nel tuo presente.
<<Io sono cresciuta ascoltando mia madre che durante le feste faceva cantare a tutti le canzoni napoletane della tradizione classica. Mia nonna poi canticchiava “Era de maggio" e “Reginella" mentre faceva i servizi a casa e adorava Murolo e tutte le sue derivazioni. Oltre alla musica napoletana ci sono altre cose che mi hanno influenzato e formato. Ad esempio intorno ai 16 anni iniziai a cantare nel coro polifonico del paese in cui sono cresciuta, San Giorgio la Molara; in questo coro cantavamo io, mia madre, mio padre e la mia sorella mezzana. E poi mio nonno aveva fatto l’attore da ragazzo; stessa cosa il fratello di mia nonna che ha continuato a recitare e anche a fare a volte la regia di spettacoli teatrali fino in età matura. Entrambi avevano una comicità tipicamente napoletana con le dovute personalizzazioni e io se ci penso rido ancora e credo di aver assorbito questa ironia. Mia zia è famosa per aver cantato spesso alle feste con gli amici alcune canzoni del repertorio jazz. Insomma una famiglia con molte espressioni artistiche, e tutto sommato varie fonti per assorbire la napoletanità soprattutto nella accezione della creatività>>
E' da poco uscito il tuo ultimo album, originale anche nella sua presentazione grafica: raccontaci la genesi e che tipo di sensazioni hai voluto trasmettere?
<<Questo album era un desiderio ed un disegno nella mia mente. Si è composto delle sue parti nel mentre prendeva forma e anche la veste grafica e l’idea della rappresentazione grafica per ogni brano sono venute fuori piano piano, passo dopo passo, a partire dall’idea di voler usare quanta mena plastica possibile per la realizzazione di questo album. Per quanto riguarda i brani si sono riuniti insieme a descrivere alcuni importanti stati dell’animo e dello stare al mondo cercando di presentarli a chi ascolta con dolcezza, ma anche per ricordare io personalmente quanto ho imparato nel corso del tempo e scritto addirittura in forma di canzone>>.
Ora sei impegnata nelle riprese del secondo singolo: che stile e quali influenze?
<<Anche questo video è una visione che ho avuto tempo fa. Girarlo è stato un vero e proprio divertimento e l’attesa per la sua uscita mi fa stare come quando si aspetta una cosa saporita. Spero di non deludere innanzitutto le mie aspettative. Non voglio dire altro se non che si tratta della prima traccia dell’album e che ho messo in campo  le mie capacità da sceneggiatrice, costumista e … attrice comica?>>.
Che impegni ti aspettano e quali programmi futuri?
<<Per ora sono in giro con il tour dei Nu Guinea ma sto lavorando al booking dedicato al mio disco. Intanto come abbiamo anticipato sta per uscire un altro videoclip e ci sono già in vista alcuni live estivi, il primo dei quali il 9 luglio nel giardino del Palazzo Reale di Napoli. Parallelamente continua anche il lavoro di scrittura e di registrazione di altri miei brani nuovi e la collaborazione con le mie amate Sesèmamà>>.

Dopo due anni di attesa dal primo singolo, finalmente il 9 maggio è uscito il primo album di Liberato, il rapper napoletano più misterioso di sempre. 
Di lui conosciamo ovviamente il timbro di voce, la passione per i videoclip a firma Francesco Lettieri, che sono dei veri e propri mini film in puntate, e l'ormai iconica veduta di spalle, rigorosamente con cappuccio e scritta sulla schiena che dichiara la sua identità: LIBERATO, anche titolo del suo primo album.
Il 9 maggio del 2017 uscì il brano che diede inizio al misterioso progetto che ha rinnovato radicalmente le sonorità e il gusto della canzone napoletana tradizionale pur conservando i tratti essenziali che la rendono rappresentativa e unica nel suo genere. 
Liberato, seppur senza volto, è assolutamente riconoscibile. I pezzi che nel giro di due anni sono arrivati a comporre il primo lavoro in studio danno vita a un racconto di senso, coerente e intrigante, che non stanca e, anzi, ammalia. 
Oltre ad aver finalmente sdoganato l'idea che la canzone napoletana non sia neomelodica e basta, il grande successo del progetto Liberato sta anche nel sodalizio artistico con Francesco Lettieri, napoletano anche lui, già alla regia di videoclip di successo per Calcutta, Motta, Thegiornalisti, e tanti altri artisti, fenomeni musicali degli ultimi anni, tanto che molti dei suoi videoclip sono ormai considerati dei veri e propri cult della scena indie.
​Oi Marì, Tu me faje ascì pazz', Guagliò, Nunn’a Voglio 'ncuntrà e Niente, i cinque brani che sono stati resi noti negli ultimi giorni in occasione dell'uscita dell'album, sono accompagnati da altrettanti videoclip che con il titolo Capri Rendez-vous raccontano con un'eleganza straordinaria la nascita e i mutamenti negli anni di una bellissima storia d'amore. 

LA TRACKLIST DI LIBERATO:
Nove maggio
Intostreet
Je te voglio bene assaje
Oi Marì
Gaiola
Tu me faje ascì pazz'
Guagliò
Me staje appennenn' amò
Nunn'a voglio 'ncuntrà
Niente
Tu t'e scurdat' 'e me

Il prossimo 22 giugno, a Roma, il primo live dopo l'uscita dell'album. I biglietti sono disponibili a partire da 20,00 € su circuito TicketOne > biglietti Liberato Live Roma
La location non è stata ancora svelata... il mistero si infittisce. 

Anticipato dal singolo intitolato Il povero Cristo, on air dal 17 aprile, uscirà tra pochissimi giorni, il 17 maggio, il nuovo album di Vinicio Capossela. Ballate per uomini e bestie, questo il titolo, è il suo undicesimo lavoro in studio.
Non è semplice definire Vinicio Capossela... musicista, cantante, anzi cantautore... polistrumentista, anche scrittore. In una parola, Vinicio Capossela è un grande artista italiano. Il suo debutto arriva nel 1990 grazie al sostegno di Renzo Fantini con il disco All’una e trentacinque circa. Vincitore di un gran numero di riconoscimenti da parte del Club Tenco, con quattro Targhe Tenco e un Premio Tenco alla carriera, è tra gli artisti più eclettici del panorama culturale italiano. Nato ad Hannover, in Germania, nel 1965, cresciuto nella provincia emiliana, sente fortissimo il radicamento alla terra d'origine dei suoi genitori, l'Alta Irpinia. E' proprio in un paesino isolato di questa parte di mondo che Vinicio Capossela si è ritirato per trovare l'ispirazione per il suo ultimo lavoro in studio. 
Come racconta egli stesso a proposito del singolo - "Cristo incontra l'uomo e impoverisce fino a diventare il povero cristo che, sulla bocca di tutti, si fa sinonimo della condizione umana" e aggiunge a proposito del suo ultimo album che si tratta di "Un cantico per tutte le creature, per la molteplicità, per la frattura tra le specie e tra uomo e natura". 
La musica di Vinicio Capossela si legge sul suo volto, prima ancora che nelle sue canzoni. Quelli che la sua voce e il suo talento di musicista trasmettono, sono i valori fortissimi che permeano nel profondo l'animo di un uomo dotato di grandissima sensibilità artistica, ma ancor prima umana. Per chi ne stesse sentendo la mancanza, Vinicio è tornato, con un messaggio fortissimo, che porterà in giro nei prossimi mesi.
Vinicio Capossela dal vivo
Il tour autunnale nei teatri italiani sarà anticipato da una serie di incontri estivi:
Venerdì 7 giugno ore 18.30_Giardino Giusti (Verona) - Vinicio Capossela_Dialoghi - Biglietti da 11,50 euro
Sabato 8 giugno ore 21.30_Teatro Romano (Verona) - Biglietti da 32,20 euro
Venerdì 5 luglio ore 21.00_Piccolo Teatro Strehler (Milano) - Biglietti da 39,00 euro
Giovedì 25 luglio ore 20.30_Corte Interna del Castelgrande (Bellinzona) - Biglietti da 49,45 euro
(biglietti acquistabili su circuito TicketOne)
Capossela è anche autore di alcuni libri, tra cui Non si muore tutte le mattine uscito nel marzo 2004 e Il paese dei coppoloni del 2015, di cui vi racconteremo prossimamente. 

Gino Paoli festeggia e ripercorre i suoi 60 anni di carriera con un doppio album: "Appunti di un lungo viaggio", in uscita venerdì 19 aprile, rivisitando i maggiori successi in chiave Jazz e con brani inediti ispirati all' "essenziale".
84 anni, 60 dei quali passati su un palcoscenico, davanti ai riflettori. Una vita privata molto intensa, senza dubbio non ordinaria, e centinaia di canzoni che hanno contribuito a scrivere la storia della musica italiana. Gino Paoli, dopo tutti i suoi trascorsi, è ancora il ragazzino di sempre, con la voglia e l'entusiasmo di sperimentare, di azzardare un nuovo progetto, di farsi strada in questa vita sempre piena di sorprese. Con la solita apparente strafottenza, un broncio perennemente accennato, e l'atteggiamento scanzonato di chi sembra non prendersi mai sul serio.
A distanza di 60 anni dal suo esordio e di 10 dall'ultimo disco pubblicato "Storie", esce il nuovo doppio album, "Appunti di un lungo viaggio" che si compone di un primo cd, "Canzoni interrotte", che altro non è che un flusso di pensieri nei quali la forma canzone viene abbandonata, e di un secondo che funge da rilettura in chiave Jazz di alcuni dei suoi maggiori successi discografici.
"Canzoni interrotte", come descritto da Paoli stesso, vuole rappresentare un ritorno all'"essenziale": in esso mancano dunque le classiche strutture delle canzoni, i ritornelli, le rime. Si parla di amore, di vita ma anche di morte, di semplici pensieri destrutturati dai soliti canoni musicati da Danilo Rea con il contributo della Roma Jazz String Orchestra. 32 minuti di flusso di coscienza, in cui l'unico "ordine" dato è quello di suddividere le diverse composizioni secondo il succedersi delle stagioni, comunque molto fluido e mai completamente netto. Sicuramente un disco che va oltre il "solito" Paoli con le sue melodie rassicuranti, ma proprio per questo una vera sorpresa da ascoltare senza preconcetti sull'autore.
Il secondo disco, invece, ripercorre la lunga carriera dell'artista genovese in una inedita chiave jazzistica grazie alla collaborazione con alcuni grandi nomi del calibro di Rita Marcotulli, Ares Tavolazzi e Alfredo Golino. Da "Sapore di sale" a "Il cielo in una stanza", da "La gatta" a "Una lunga storia d'amore", fino a l'unico brano di un altro cantautore, "Ritornerai", di Bruno Lauzi, suo grande amico. 51 minuti di storia della musica italiana, in una veste rinnovata.

Tracklist di "Appunti di un lungo viaggio"
CD 1 – Canzoni interrotte
1. Estate - L’avventura / Estate Movimento 1 (Strumentale) / Non dire che mi ami / Estate Movimento 2 (Strumentale) / E m’innamoro ancora / Estate Movimento 3 (Strumentale) / Aspettami / Il mio amore sbagliato / Io ti amo di più
2. Inverno - Quando avevo vent’anni / Inverno Movimento 1 (Strumentale) / Eravamo sempre insieme / Ho incontrato la tristezza / Inverno Movimento 2 (Strumentale) / Voglio morir malato
3. Primavera - Noi del mare / Amico mio / La mia donna è la libertà / Primavera Movimento 1 (Strumentale) / Due cani in chiesa
4. Autunno - Autunno Movimento 1 (Strumentale) / Un anno un’ora un minuto / Uno come me / Autunno Movimento 2 (Strumentale) / Quando me ne andrò
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CD 2 – I ricordi
1. Che cosa c’è
2. Sassi
3. Il mare, il cielo, un uomo
4. Sapore di sale
5. Questione di sopravvivenza
6. La gatta
7. Ritornerai
8. Fingere di te
9. Senza fine
10. In un caffè
11. Una lunga storia d’amore
12. I ricordi
13. Il cielo in una stanza
14. Ti lascio una canzone

I concerti del 2019 di Gino Paoli 
Durante il 2019, Gino Paoli sarà impegnato in tre eventi speciali: il 12 maggio all’Auditorium, Parco della Musica di Roma, il 13 luglio all’Umbria Jazz di Perugia e il 18 luglio in un concerto ai Parchi di Nervi nella sua città, Genova.

Dopo il successo dell'ultimo album "Fino a qui", i Tiromancino per la prima volta insieme a un'orchestra, la "Ensemble Symphony Orchestra", fanno tappa nei teatri italiani. Ecco la recensione della data di Avellino.
Mercoledì 3 aprile 2019, Teatro Carlo Gesualdo di Avellino, ore 21.25. Inizia lo spettacolo, e che spettacolo! Schierata, di fronte a un pubblico in trepida attesa, un'orchestra tra le più prestigiose in Europa che ha collaborato con artisti del calibro di Andrea Bocelli, Francesco De Gregori, Mario Biondi, PFM, Luis Bacalov. A condividere il palcoscenico, la band di Federico Zampaglione che, come c'era d'aspettarsi, si è unito al folto gruppo a luci già accese tra gli applausi dei presenti.
Tiromancino e Ensemble Symphony Orchestra, insieme per la prima volta per un progetto nei teatri italiani che nasce dal successo dell'ultimo album del gruppo romano "Fino a qui", per trasformare le ultime hit e i grandi successi del passato in suoni ricercati e inediti. 
"Fino a qui - In tour" si è dimostrato, infatti, uno show diverso dalle aspettative, con arrangiamenti particolari e molto studiati, che hanno sicuramente posto al centro di tutto la musica e l'abilità dei musicisti: dei componenti dell'Orchestra (anche con diversi assoli di gran valore artistico), della band dei Tiromancino (anche in questo caso protagonista sia collettivamente sia singolarmente), ma anche di un Federico Zampaglione assolutamente scatenato con le sue diverse chitarre, che di volta in volta ha cambiato in base alla canzone e allo stile. Uno spettacolo nello spettacolo insomma. Va da sé la grande forza espressiva, emozionale e cantautoriale di Zampaglione, perfetto nel cantato live. 

Ecco la scaletta del concerto di Avellino:
1 Almeno tu
2 Piccoli miracoli
3 Per me è importante
4 Un tempo piccolo
5 I giorni migliori
6 Quasi 40
7 L'ultimo treno della notte
8 Muovo le ali di nuovo
9 Dove tutto è a metà
10 Liberi
11 La pazienza delle onde (in versione Blues)
12 Strade
13 Amore impossibile
14 Nessuna certezza
15 Sale, amore e vento
16 La descrizione di un attimo
17 L'autostrada
18 Immagini che lasciano il segno
19 Due destini
Bis Noi casomai

Protagonisti sul palco: Federico Zampaglione insieme a Antonio Marcucci (chitarre e cori), Francesco “Ciccio” Stoia (basso), Marco Pisanelli (batteria e percussioni) e Fabio Verdini (pianoforte ,tastiere e campionatori). "Ensemble Symphony Orchestra" diretta dal Maestro Giacomo Loprieno.

Prossime date del tour
Attualmente le successive date confermate sono:
12.04.19 – SANREMO – TEATRO ARISTON
01.07.19 – ROMA – CAVEA AUDITORIUM PARCO DELLA MUSICA

Luca Carboni è in giro per l'Italia con il suo "Sputnik Tour 2019" nei teatri: ecco la mia recensione del concerto al Teatro Carlo Gesualdo di Avellino.
26 marzo 2019, ore 21.10: Luca Carboni in concerto ad Avellino, presso il Teatro Carlo Gesualdo. Posti in quinta fila, platea centrale. Avevo già delle buone aspettative relativamente a questo concerto, ma viverlo da vivo è stata un'esperienza davvero entusiasmante. Quando la realtà supera l'immaginazione, insomma. Ho sempre apprezzato la musica di Luca Carboni e anche il personaggio a dire la verità, e vederlo dal vivo ha sicuramente rafforzato le mie convinzioni.
Lo "Sputnik Tour" è arrivato nei teatri italiani a marzo dopo la prima parte dedicata ai club. Ad accogliere il pubblico, un maxischermo digitale con "l'atterraggio" dell'astronauta Luca Carboni...poi l'ingresso dei musicisti e il suo "atterraggio" in carne e ossa, sul palco, tra lunghi applausi.
Si inizia a suonare...per tutti il look è camicia rossa, cravatta e pantaloni neri, immersi in luci di colore rosso. Sempre presenti gli occhiali neri che Carboni indossa con disinvoltura, ma che così commenta a circa metà spettacolo: "Indosso gli occhiali da sole per le luci, non per mancanza di rispetto", con un sorriso condiviso con tutto il teatro.
E' "Segni del tempo" la canzone introduttiva: non la conoscevo, del 2006, e devo dire che mi ha letteralmente rapito.  Altre due canzoni e poi il saluto al pubblico. Carboni parla anche delle idee fondanti del suo "Sputnik": del concetto di musica come compagna di viaggio, di vita come un percorso circolare da vivere insieme, un viaggio nel tempo. In scaletta i brani dell’ultimo album "Sputnik" (Una grande festa, Io non voglio, Amore digitale, Due), ma anche quelli di "Pop-Up" (Luca lo stesso, Bologna è una regola) e i suoi successi come Mare Mare, Ci vuole un fisico bestiale, Farfallina, Inno Nazionale, Silvia lo sai. Di grande intensità emotiva, in particolare, "Farfallina" in versione acustica, solo chitarra e pianola a mano. 
Oltre all'ottima musica cantata (Luca Carboni dal vivo è davvero perfetto!) e suonata (grande performance della band!), "Sputnik" si è dimostrato uno spettacolo veramente pieno di energia e colori: con luci e laser che emergono da un maxischermo digitale. Le immagini rappresentate raccontano la carriera dell'artista, sono fotografie delle canzoni, che si susseguono con poche soste parlate. Per quanto riguarda i suoni, molta elettronica (in linea con il suo ultimo lavoro discografico) accompagnata da momenti più acustici e intimi, per arrivare a un mini dj set con un mixaggio di alcuni suoi successi che non ha cantato. Carboni è accompagnato sul palco da Antonello Giorgi alla batteria, Ignazio Orlando al basso, Mauro Patelli e Vincenzo Pastano alle chitarre, Fulvio Ferrari Biguzzi alle tastiere.
Sulla frase "Potrei continuare a volare nello spazio per sempre" di Juri Gagarin, l’astronauta Luca e la sua band tornano in orbita e salutano un pubblico sinceramente entusiasta e partecipativo. Ormai da tempo, infatti, gran parte delle persone presenti aveva lasciato le proprie poltrone spostandosi sotto il palco, per ballare e cantare insieme al cantautore bolognese, che si allontana insieme alla sua band letteralmente sommerso dall'affetto degli intervenuti.
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Le ultime date dello "Sputnik Tour" nei teatri 2019, dopo quella avellinese, sono:
4 aprile Grosseto, Teatro Moderno
6 aprile Rimini, Teatro Galli
9 aprile Bologna, Teatro Europauditorium

Franco Battiato compie 74 anni e celebra la sua musica con l'album "Fleurs" in Lp: ecco un breve viaggio nella carriera di un artista tra i più completi e complessi del panorama musicale italiano.
Per me che lo seguo da anni, Franco Battiato rappresenta un vero pilastro nel mondo dell'arte e della cultura. L'ho ascoltato e visto dal vivo in diverse occasioni e mi ha sempre emozionato come la prima volta... Quella volta che, invece di godermi tutto il suo concerto estivo nella via principale del centro della mia città, preferii andare a fare un giro alle giostre... da quell'errore di gioventù è iniziato il mio amore senza fine per la sua musica. 
Franco Battiato è nato a Jonia, in provincia di Catania, il 23 marzo del 1945. La Sicilia, terra d'origine nella quale vive tuttora, è sempre stata molto presente come una delle tante fonti di ispirazione nella sua produzione artistica.
Proprio per celebrare il suo 74° compleanno, che coincide con il 20° anniversario dalla pubblicazione di Fleurs (1999), la Universal Music Italia ha pubblicato per la prima volta in vinile Fleurs - Esempi Affini di Scritture e Simili. Si tratta di un concept album che Battiato ha registrato in soli due giorni nella sua casa di Milo, alle pendici dell'Etna. A tenere insieme i pezzi scelti dall'artista, che spazia da autori italiani come Fabrizio De Andrè e Sergio Endrigo ad autori francesi come Aznavour passando dalla romanza napoletana ai Rolling Stones, un filo rosso che si rintraccia nell'affinità di scrittura richiamata nel sottotitolo e in una vena di sottile malinconia che fa da sottofondo. A chiudere l’album due brani inediti: Medievale, a rimarcare la passione che Battiato ha sempre nutrito per la musica d’Oriente e Invito al Viaggio, in cui Manlio Sgalambro, suo grande amico e partner professionale mancato cinque anni fa, recita versi liberamente ispirati a un'omonima poesia di Baudelaire.
La veste grafica dell'opera è di straordinaria bellezza ed eleganza, come ciò che contiene. La copertina inedita per questo ventennale anniversario è stata realizzata dall’art-director e storico amico Francesco Messina e riprende un particolare del dipinto realizzato da Battiato nel 1999, Derviscio Con Rosa. Una riproduzione dell’opera è presente anche all’interno dell'LP appena pubblicato. Il vinile è un 180 g di colore rosso in edizione numerata limitata. Io ho appena effettuato il mio ordine on line! 

Riassumere il lungo e diversificato percorso artistico di Battiato non è semplice, nel corso della sua lunga carriera ha spaziato, in qualità di musicista, compositore e cantautore, dalla musica sperimentale a quella mistica a quella pop, ma Battiato è anche affermato regista e pittore. 

Di seguito una cronologia ripercorrendo le uscite degli album di Franco Battiato:
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GLI ANNI ’70, BLA BLA E RICORDI
Gli anni Settanta sono quelli della ricerca e della sperimentazione. Sarà infatti l'etichetta sperimentale Bla Bla a pubblicare le prime incisioni discografiche di un giovane e già visionario Franco Battiato, quelle che vanno dal 1971 al 1975: Fetus (1971), Pollution (1972), Sulle corde di Aries (1973), Clic (1974), M.elle le “Gladiator” (1975). Il passaggio a Ricordi avviene in occasione della pubblicazione di  Feedback (1975), una raccolta in doppio album della sua precedente produzione per Bla Bla, Battiato (1976), Juke Box (1977) e L’Egitto prima delle sabbie (1978).

GLI ANNI '80 E LA EMI
Siamo nel 1979 quando inizia la produzione e la pubblicazione di quelli che sono considerati capolavori assoluti e grandi successi della produzione di Battiato che intanto è passato con la EMI italiana. Il primo lavoro con la nuova etichetta discografica è L’Era del Cinghiale Bianco. Arrivano poi, a cadenza annuale, Patriots (1980) e, nel 1981, La voce del Padrone, album che fa registrare oltre un milione di copie vendute e che resta ai vertici delle classifiche per un anno. Il successo è ormai consolidato e il talento di Battiato universalmente riconosciuto e apprezzato.
La produzione continua poi con L’arca di Noè (1982), Orizzonti perduti (1983), Mondi lontanissimi (1985), Echoes of sufi dances (1985), Nomadas 1987, Emi Spagnola), Fisiognomica (1988) e, nel 1989, Giubbe rosse (doppio album live).

GLI ANNI '90 CON POLYGRAM E SONY
Nel 1991 Battiato incide Come un Cammello in una grondaia, album reso noto in particolare dal brano Povera Patria, simbolo di impegno civile. Due anni dopo, nel 1993 pubblica l’album Caffé de la Paix. E' in questo periodo che inizia un sodalizio fondamentale per la successiva produzione artistica di Franco Battiato,  quello con il filosofo, poeta, cantautore e saggista siciliano Manlio Sgalambro. Nel 1995 esce infatti L’ombrello e la macchina da cucire, album pop su testi proprio di Manlio Sgalambro. 
Nell’autunno del ’96 la Polygram pubblica L’imboscata con l'indimenticabile brano La cura. A settembre del 1998 esce Gommalacca, contenente il singolo di grande successo Shock in my town, brano portato da Battiato a Sanremo nel 1999, durante una delle sue rare partecipazioni al Festival, in qualità di ospite d'onore. Il 1999 è anche l'anno di Fleurs, album nel quale Battiato interpreta 10 cover e 2 inediti e del quale, come abbiamo visto, è stata appena pubblicata l'inedita e preziosa versione in vinile.

GLI ANNI 2000
Nel giugno 2000 esce Campi magnetici, disco che contiene le musiche del balletto commissionate dal Maggio Musicale Fiorentino. Il 2001 è invece l'anno di Ferro Battuto: 10 brani prodotti e arrangiati dallo stesso Battiato con la partecipazione di alcuni grandi ospiti, tra i quali Jim Kerr dei Simple Minds che duetta con Battiato in Running against the grain, brano che apre l'album. Il 30 agosto 2002 arriva nei negozi Fleurs3. L’album, composto da 10 cover e una canzone inedita cantata in coppia con Alice  intitolata Come un sigillo, continua sulla scia del precedente Fleurs ed è un grande successo di pubblico e di critica. Il 2003 si chiude con Last summer dance, doppio album live registrato durante il tour estivo e pubblicato nell’ottobre dello stesso anno.
Nell'ottobre del 2004 esce, anticipato dai singoli Ermeneutica e Tra sesso e castità, l'album Dieci stratagemmi, il cui titolo è ispirato al libro dei 36 stratagemmi, antico testo cinese di tattica e strategia militare. Il 22 novembre al Teatro dell’Opera di Roma, Franco Battiato è in concerto con la Royal Philharmonic Orchestra di Londra per un evento in favore del FAI – Fondo per l’Ambiente Italiano. Un’occasione unica per ascoltare in versioni inedite i classici del repertorio eclettico del musicista accompagnati dalla storica orchestra britannica. 
Nel 2007 arriva Il Vuoto seguito nel novembre 2008 da Fleurs2: terza raccolta di brani di autori notissimi tra i quali troviamo anche le inedite Tutto l’universo obbedisce all’amore cantata con Carmen Consoli e L’addio, personalissima dedica a Giuni Russo.
Il 2009 è l’anno di Inneres Auge, “L’Occhio Interiore”, album con tre inediti (Inneres Auge, U Cantu, Tibet) principalmente composto da bellissime reinterpretazioni soprattutto del periodo pop-elettronico degli anni Ottanta con in più una suggestiva interpretazione di Inverno con la quale Battiato omaggia De André.
Nel 2012 arriva Apriti Sesamo, mentre il 2013 è l'anno della collaborazione con Antony & The Johnson, che dà vita a Del suo veloce volo, un disco che riprende il live del concerto fatto insieme l’estate precedente.
Nel settembre 2014 è la volta di Joe Patti’s Experimental Group, nuovo album di studio realizzato insieme a Pino “Pinaxa” Pischetola composto esclusivamente da brani elaborati in chiave elettronica e sperimentale.
Il 13 novembre 2015 viene pubblicata un’antologia, che copre anche la produzione cinematografica di Battiato, dal titolo Le nostre anime. L’antologia contiene due inediti e una cover oltre ad una nuova versione di Battiato con Mika del brano Centro di gravità permanente, con testo per l’occasione adattato in inglese e titolato Center of gravity.

Per approfondire meglio l'intera produzione artistica di Franco Battiato, vi consiglio di visitare il suo sito internet, dal quale io stessa mi aggiorno e mi informo con piacere. E' curatissimo e ricchissimo di contenuti. Da due settimane è on line nella sua versione aggiornata e rinnovata.
Potete collegarvi subito cliccando qui> Sito Ufficiale di Franco Battiato

Attenzione! I Take That stanno tornando! Ricordate successi come Back for Good? Se siete nati nei primi anni Ottanta sicuramente la starete cantando a squarciagola; fu il secondo singolo estratto dal terzo album del gruppo nel 1995 e dominò le classifiche in molti Paesi. Anche il video, squisitamente anni Novanta, girato in bianco e nero sotto una pioggia battente, ha fatto impazzire intere generazioni ed è ancora oggi simbolo di quelle sonorità e di quel periodo storico che sembra adesso così lontano (lo trovate alla fine di questo post ;)). 
​Gruppo musicale pop britannico, i Take That sono stati tra le boy band più famose e di successo e, tra alti e bassi, hanno segnato profondamente la storia della musica pop.
La formazione iniziale risale al 1989 ed era composta da cinque elementi, ve li ricordate?
Il leader del gruppo Gary Barlow, il mitico Robbie Williams, Howard Donald, Mark Owen e Jason Orange. Con i primi due album, Take That & Party ed Everything changes, scalarono le classifiche mondiali e con il terzo coronarono il loro incredibile successo: Nobody Else raggiunse i 6 milioni di dischi venduti e arrivò al primo posto in classifica in ben 11 paesi.
Nel 1996 Robbie Williams lasciò il gruppo che si sciolse del tutto quello stesso anno, pochi mesi dopo, dandone notizia ufficiale nel corso di una conferenza stampa proprio nel giorno del compleanno di Robbie.
Nove anni dopo però, nel 2005, gli altri quattro componenti si riunirono realizzando anche un live tour chiamato The Ultimate Tour, una delle più grandi reunion di sempre, per un totale di 32 concerti tra Gran Bretagna e Irlanda.
Il 2011 segnò il grande ritorno di Robbie Williams e la pubblicazione del disco Progress, ma si trattò di una meteora, Robbie lasciò nuovamente la band per riprendere la fortunata carriera da solista.
Anche gli altri hanno sperimentato negli anni la carriera solista, ma senza raggiungere il successo planetario che ha consacrato Robbie Williams a star mondiale.
Il gruppo oggi è composto da Gary Barlow, Mark Owen e Howard Donald. I tre insieme hanno prodotto gli album III e Wonderland, entrambi dischi di platino, e adesso sono tornati con Odissey, album prodotto da Stuart Price, uscito lo scorso 23 Novembre che contiene 27 brani divisi in due cd che attraversano i trent'anni di storia della band.
Come vi dicevo all'inizio, i Take That tornano in Italia! Se avete nostalgia della loro musica o vi siete incuriositi e volete conoscerli meglio, nel mese di giugno sono previste due date e i biglietti sono ancora disponibili e acquistabili su circuito TicketOne. 
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Ecco i dettagli:
Venerdì 28 giugno 2019 ore 21.30 nella Piazza Napoleone di Lucca (all'interno del Lucca Summer Festival) 
Platea Gold € 78,00 + prev.
I Platea Numerata € 69,00 + prev.
II Platea Numerata € 52,00 + prev.
Platea visibilità ridotta € 52,00 + prev.
Posto in Piedi € 40,00 + prev.
Pacchetti Vip disponibili da € 200,00

Sabato 29 giugno 2019 ore 21.00 a Roma, Auditorium Parco della Musica - Cavea (all'interno del Rock in Roma Summer Fest)
Biglietti a partire da € 46,00 + prev.
Pacchetti Vip non disponibili.
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Un album di successo, "Corochinato", e un tour 2019 in giro per l'Italia che vanta già sold out: gli Ex-Otago incantano con la loro musica, reduci dall'esperienza molto positiva a Sanremo.
Gli Ex-Otago (Ex perchè sono già stati Otago anni prima) sono 5 ragazzi genovesi: Maurizio Carucci (voce-synth), Simone Bertuccini (chitarra acustica), Francesco Bacci (chitarra elettrica), Olmo Martellacci (basso-synth), Rachid Bouchabla (batteria). 
Un mese fa, a conclusione della loro prima esperienza sanremese con il brano Solo una canzone, è uscito il loro nuovo album, Corochinato, disco prodotto da Garrincha Dischi ed INRI e distribuito in licenza da Polydor/Universal Music Italia. Anticipato dal singolo Tutto bene, primo estratto molto ballabile e in diffusione radio e streaming già dallo scorso maggio, e da altri due brani (Questa notte e Bambini), l'album comprende, appunto, anche il pezzo con il quale gli Ex Otago si sono classificati al 13° posto al Festival della Canzone Italiana.

La tracklist:

1. Forse è vero il contrario
2. Bambini
3. Torniamo a casa
4. Questa notte
5. Tutto bene
6. Solo una canzone
7. Le macchine che passano
8. La notte chiama
9. Infinito
10. Tu non mi parli più

Corochinato prende il titolo dal nome di un liquore tipico genovese che, come spiega lo stesso Maurizio in un'intervista per rockol.it “è un vino aromatizzato che in antichità si faceva col bianco di Coronata, che è un quartiere di Genova dove c’erano dei vigneti, e la china, cioè varie spezie. È un aperitivo che ad oggi è diventato raro, che si beve in pochissimi posti decrepiti del centro storico, veramente tre o quattro. Ha una produzione limitatissimissima e soprattutto si beve in un momento bello della giornata, quando si finisce il lavoro e si va in questi baretti e si beve questo Corochinato, chiamato anche “asinello”, e si discute, si pontifica sulle varie vicende della società nostra.”  Esce a circa due anni e mezzo di distanza da Marassi, album grazie al quale ho conosciuto gli Ex-Otago e che ho amato in modo particolare.
Anche nel nuovo album, come nel precedente appena citato, si respira in pieno lo stile del gruppo che è un cocktail, per rimanere in tema aperitivo, a mio parere molto ben bilanciato, di sonorità anni Novanta e Ottanta, riportate in chiave contemporanea. Personalmente ho trovato molto (forse troppo?) "jovanottiano" il pezzo che chiude l'album, Tu non mi parli più. Nel complesso però lo trovo un lavoro ben riuscito che dà continuità al percorso intrapreso con il mio sempre preferito Marassi.
In Corochinato resta, come abbiamo visto già nel nome, molto forte ed esplicito il legame con le radici genovesi ma a questo si unisce il tema della notte a fare da filo conduttore a tutto l'album: l'ho trovato un modo di tenere insieme i pezzi molto interessante ed efficace che dà quasi all'album le caratteristiche di un racconto "notturno" in musica e parole.
Molto apprezzabile, per quanto mi riguarda, il concept grafico.  Anche da questo punto di vista gli Ex-Otago non si sono smentiti rispetto al precedente lavoro, forse su questo aspetto hanno fatto anche di più. Per non perderseli live...
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“Cosa fai questa notte? Tour 2019”, le date:
28 marzo_Fontaneto D'Agogna (No)_Phenomenon_(data zero)
30 marzo_Torino_Teatro della Concordia_SOLD OUT
31 marzo_Firenze_Tuscany Hall
4 aprile_Padova_Gran Teatro Geox
5 aprile_Milano_Fabrique_SOLD OUT
6 aprile_Senigallia_Mamamia
9 aprile_Bologna_Palaestragon
10 aprile_Roma_Atlantico
12 aprile_Bari_Demodè

Il week end appena passato ha arricchito la mia collezione di cd di una perla assoluta, si tratta del live che David Bowie fece in occasione del famoso Glastonbury Festival of Contemporary Performing Arts, festival musicale e di spettacolo che si svolge di regola ogni anno durante l'ultimo week-end di giugno e dura 3 giorni; si tiene a Pilton, a circa 10 km da Glastonbury, nel Somerset, in Inghilterra.
Non sapevo della pubblicazione di questo cd, l'ho notato in mezzo agli altri perchè catturata dalla sua veste grafica, secondo me molto curata e accattivante. E' uscito nel 2018, comprende due cd e un libretto molto interessante. 
La scaletta proposta è superlativa, ve la riporto di seguito:
CD 1:

• Introduction (Greensleeves)
• Wild Is The Wind
• China Girl 
• Changes
• Stay
• Life On Mars?
• Absolute Beginners
• Ashes To Ashes
• Rebel Rebel
• Little Wonder
• Golden Years

CD 2:

• Fame
• All The Young Dudes
• The Man Who Sold The World
• Station To Station
• Starman
• Hallo Spaceboy 
• Under Pressure
• Ziggy Stardust
•  "Heroes"
• Let's Dance
• I'm Afraid Of Americans

Definire David Bowie un musicista sarebbe assolutamente riduttivo. David Bowie era un artista dotato di un incredibile talento che declinava sapientemente nella musica, ma anche nella recitazione, nel disegno e in moltissime altre forme d'arte. 
Bowie, che aveva già partecipato a questo festival trent'anni prima, esattamente nel 1971, si è esibito in quell'occasione sul nuovo palco detto Pyramid Stage. Pare che quell'anno, in cui si susseguirono sul palco anche altri grandi nomi come i Travis, i Chemical Brothers e i Pet Shop Boys, si sia raggiunto il numero incredibile di 250.000 spettatori (del tutto inattesi visto che i biglietti ufficialmente venduti erano stati meno della metà).  

Quali sono le canzoni che si sono aggiudicate la prestigiosa e tanto agognata statuetta dorata alle premiazioni degli Oscar negli anni Duemila?
Ma andiamo con ordine. Cos'è l'Academy Award Best Song? L'Oscar alla Migliore Canzone è stato introdotto nel 1934 e, da allora, viene assegnato alla canzone originale creata appositamente per un film votata dall'Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Il premio è consegnato agli autori che hanno composto il brano. 
Detto questo, la curiosità mi ha spinto a indagare quali siano le canzoni che si sono aggiudicate la statuetta a partire dal 2000. Insomma, le canzoni da film considerate "migliori" dall'Academy del nuovo millennio.
Quello che emerge, analizzando l'elenco che trovate qui sotto, è che molti film di animazione si sono aggiudicati l'Oscar per la migliore canzone originale. Ma anche che a vincere siano stati cantanti molto noti al grande pubblico, non ultima Lady Gaga che proprio poche ore fa ha stretto tra le mani l'Oscar per "Shallow", interpretata insieme all'attore e regista del film "A star is born", Bradley Cooper (la canzone si era aggiudicata già il Golden Globe per migliore canzone originale, il Grammy Award per migliore canzone scritta per film, televisione o altri media, e il Grammy Award per migliore performance del duo Gaga-Cooper). 

Ecco le canzoni che hanno vinto L'Oscar dal 2000 al 2019.
2000: Vince "You'll be in my heart" di Phill Collins per "Tarzan".
2001: Vince "Things have changed" di Bob Dylan per "Wonder Boys"
2002: Vince "If I didn't have you" di Randy Newman per "Monsters and Co."
2003: Vince "Lose yourself" di Eminem per "8 Mile"
2004: Vince "Into the west" di Fran Walsh, Howard Shore e Annie Lennox per "Il Signore degli anelli - Il ritorno del re"
2005: Vince "Al otro lado del rio" di Jorge Drexler per "I diari della motocicletta"
2006: Vince "It's hard out here for a Pimp" di Jordan Houston, Cedric Coleman e Paul Beauregard per "Hustle & Flow"
2007: Vince "I need to wake up" di Melissa Etheridge per "Una scomoda verità"
2008: Vince "Falling Slowly" di Glen Hansard e Marketa Irglova per "Once"
2009: Vince "Jai Ho" di Allah Rakha Rahaman per "The Millionaire"
2010: Vince "The weary kind" di Ryan Bingham e T-Bone Burnet per "Crazy Heart"
2011: Vince "We belong together" di Randy Newman per "Toy Story 3 - La grande fuga"
2012: Vince "Man or Muppet" di Bret McKenzie per "I Muppet"
2013: Vince "Skyfall" di Adele e Paul Epworth per "Skyfall"
2014: Vince "Let it go" di Kristen Anderson-Lopez e Robert Lopez per "Frozen"
2015: Vince "Glory" di John Stephens e Lonnie Lynn per "Selma - La strada per la libertà"
2016: Vince "Writhing's on the wall" di Jimmy Napes e Sam Smith per "Spectre"
2017: Vince "City of Stars" di Justin Hurwitz per "La La Land"
2018: Vince "Remember me" di Kristen Anderson-Lopez e Robert Lopez per "Coco"
2019: Vince "Shallow" di Lady Gaga, Mark Ronson, Andrew Wyatt e Anthony Rossomando per "A star is born".

Di seguito il video di "Shallow"...io la trovo bellissima e intensa! Encomiabili le interpretazioni di Lady Gaga e Bradley Cooper, commoventi e perfetti in ogni esibizione. E, ieri sera, sul palco della Notte degli Oscar hanno davvero emozionato tutti...
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Il 12 febbraio è stato pubblicato il video di Take on me, singolo icona degli anni Ottanta degli a-ha, nella cover dei Weezer, gruppo rock americano originario di Los Angeles.
Il brano fa parte dell'omonimo dodicesimo album in studio realizzato dalla band, detto "The Teal Album", composto interamente da cover eseguite dal gruppo o dal cantante Rivers Cuomo durante i loro concerti. Un'operazione rivolta ai fan della band, che a gran voce avevano richiesto una versione di Africa dei Toto, poi pubblicata a maggio 2018.
Totalmente inaspettata è stata invece la pubblicazione di questo album a fine gennaio, solo in formato digitale, senza alcuna precedente promozione.  I brani presenti, per un totale di dieci tracce, spaziano dagli anni '60 di Happy together e Stand by me, ai '70 di Paranoid e Mr. Blue Sky, fino a No scrubs, singolone R'n'B del 1999 che quest'anno compie vent'anni entrando di diritto nella dimensione dei classici senza tempo. Scorrendo la track list, a farla da padrone sono però vere e proprie perle del panorama musicale mondiale degli anni '80: 

1. Africa – Toto
2. Everybody Wants to Rule the World – Tears for Fears
3. Sweet Dreams (Are Made of This) – Eurythmics
4. Take On Me  – a-ha
5. Happy Together – The Turtles
6. Paranoid – Black Sabbath
7. Mr. Blue Sky – Electric Light Orchestra
8. No Scrubs – TLC
9. Billie Jean – Michael Jackson
10. Stand by Me – Ben E. King

Nonostante il carattere giocoso dell'operazione, l'album va ad alimentare la grande voglia di revival anni '80 che sta accompagnando gli ultimi anni e potrebbe raccogliere il favore anche del grande pubblico, come dimostra il balzo al n. 5 della classifica Billboard 200 nella seconda settimana dall'uscita.
Ad aumentare la curiosità attorno al progetto contribuirà sicuramente il nuovo singolo, che cita il mix di scene reali e fumetto in bianco e nero del videoclip originale del 1985. Ambientato in quello stesso anno a casa di un giovane Rivers Cuomo, a colpire il pubblico di oggi sarà soprattutto la scelta di sostituire il gruppo californiano con i Calpurnia, giovane band indie rock di Finn Wolfhard, meglio conosciuto nel ruolo di Mike Wheeler, uno dei protagonisti della serie di culto Stranger Things. Guardate con i vostri occhi e cantate a squarciagola ;)
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​Si è concluso sabato il 69° Festival di Sanremo che, per quanto quest’anno fosse ispirato al tema dell’armonia, dello yin e dello yang cui lo stesso numero 69 allude, non è rimasto esente dalle polemiche che puntualmente lo accompagnano ogni anno. Sicuramente ha suscitato scalpore la vittoria di Mahmood, cantautore italiano con radici egiziane per parte paterna, meteora dell’edizione 2012 di X-Factor che pubblicherà il suo primo album dopo il festival. Il brano Soldi ha portato sul palco dell’Ariston un genere che l’autore stesso definisce “Marocco – pop” e ha entusiasmato giurati e sala stampa al punto da ribaltare il risultato del televoto. Al secondo posto Ultimo. Terzi Il Volo. Simone Cristicchi, miglior interpretazione e miglior composizione musicale, e Daniele Silvestri, Premio della Critica, della Sala Stampa e per il miglior testo, hanno fatto mambassa dei riconoscimenti tecnici. Il premio per il valore letterario del brano lo porta a casa Enrico Nigiotti. Motta, con Nada, si era aggiudicato la sera precedente il miglior duetto.
Questo 69° Festival della Canzone Italiana si può dire a ragione ben riuscito. Baglioni in qualità di “dirottatore” artistico, come lui stesso si è definito in questa edizione, ha saputo trasportare, su un palco che spesso negli ultimi anni è risultato monocorde, lo scenario musicale italiano attuale in numerose sfumature, continuando allo stesso tempo il suo personale omaggio alla tradizione e alla storia della musica italiana attraverso i duetti con gli ospiti intervenuti numerosi. Il ritmo della serata è stato ben scandito dai vari momenti musicali e artistici; non ho riscontrato una particolare comicità, nonostante la presenza di Claudio Bisio e Virginia Raffaele, ma molta eleganza alternata a quella sana improvvisazione che rende tutto più umano.
Adesso condivido con voi la mia personale classifica, se vi fa piacere potete condividere con me il vostro podio.

1. GHEMON
2. LIVIO CORI E NINO D’ANGELO
3. PAOLA TURCI
4. MOTTA
5. EX OTAGO
6. PATTY PRAVO E BRIGA
7. DANIELE SILVESTRI
8. LOREDANA BERTE’
9. NEGRITA
10. MAHMOOD
11. SIMONE CRISTICCHI
12. ACHILLE LAURO
13. ARISA
14. NEK
15. THE ZEN CIRCUS
16. FEDERICA CARTA E SHADE  
17. FRANCESCO RENGA
18. BOOMDABASH 
19. ENRICO NIGIOTTI
20. EINAR
21. ANNA TATANGELO
22. ULTIMO
23. IL VOLO  
24. IRAMA

Concludo ricordando il premio alla carriera assegnato a Pino Daniele e consegnato alle figlie: è stato la dimostrazione di quanto la grande musica oltrepassi la vita e regali l’eterno. 

Milano, Santeria Social Club, 25 gennaio 2019. Una data che mi porterò nel cuore perché mi ha permesso di vedere con i miei occhi e ascoltare con le mie orecchie l’incredibile talento di Riccardo Sinigallia.
Lo conoscevo già, mi piacevano già alcune delle sue canzoni, in particolare lo ricordavo per la sua capacità di riconoscere il talento negli altri. Penso ad esempio a Niccolò Fabi, Max Gazzè, il più recente Motta, tutti scoperti o prodotti da Riccardo Sinigallia. Senza dimenticare la sua incisiva collaborazione con i Tiromancino. Bellissima la perfetta sintonia sul palco tra tutti i componenti della band (tra cui la moglie di Riccardo, Laura Arzilli, basso e cori), testimoniata anche dallo scambio di sguardi complici, di sorrisi e battute durante la performance che l’ambiente disteso e raccolto della Santeria permetteva di cogliere anche dal pubblico; notevole la capacità di variare con pezzi dal diverso registro.
Pezzi del cuore: tanti! Quelli importanti dell’ultimo album come Ciao Cuore, Dudù, A cuor leggero, Niente mi fa come mi fai tu; e poi un classico recente sanremese come Prima di andare via, chicche come La descrizione di un attimo, scritta per i Tiromancino; il suo primo singolo solista del 2003, Bellamore; un pezzo live potente come Per tutti. Di questo concerto porto ancora le emozioni sulla pelle. Se avete l’occasione non perdetevelo!
Il tour, dopo aver toccato Torino, Brescia, Bologna, Milano e Roncade (Tv), ha esaurito i suoi appuntamenti al Nord e sta continuando in direzione Sud.

Di seguito le prossime date in programma:

7 febbraio Pozzuoli (Na) - Duel Beat
8 febbraio Bari – Officina degli Esordi
9 febbraio Lecce - Officine Cantelmo
15 febbraio Perugia - Rework Club
16 febbraio Roma - Monk Club (ingresso riservato ai soli soci Arci con tessera)
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Costo del biglietto: 17,25 € 
Ciao Cuore Tour Riccardo Sinigallia: Biglietti